Modedesigner der amerikanischen Ureinwohner über die Auswirkungen von Covid-19 und die Zukunft der Mode

"Unsere Leute sind die ersten amerikanischen Designer", sagt Designerin Bethany Yellowtail. Sie spricht mit mir über Zoom von ihrem Zuhause in Los Angeles aus, wo sie das letzte Jahr gearbeitet hat. Bethany ist ein Mitglied der Northern Cheyenne Nation und wuchs im Crow Indian Reservat in Montana auf. Wie viele einheimische Designer inspirierte das Aufwachsen mit den wunderschönen Insignien ihres Stammes ihre Reise ins Modedesign.

Im März 2020, als das Coronavirus die USA traf, war sie gezwungen, nicht nur das Büro in L.A. zu schließen, an dessen Eröffnung sie jahrelang gearbeitet hatte, sondern ihre Geschäftsstrategie komplett umzustellen. Da sich viele Fabriken in der Stadt der Herstellung von PSA widmeten, beschloss sie, mit ihnen zusammenzuarbeiten, um die Ureinwohner im ganzen Land zu versorgen, die am stärksten vom Coronavirus betroffen waren. Im Laufe des Jahres fertigte sie über 100.000 Masken mit dem Symbol ihres Stammes, dem Morgenstern, an. Es war eine Quelle des Stolzes auf eine verheerende Zeit für sie und ihre Gemeinschaft.

Entsprechend Der Wächter, starb schätzungsweise einer von 475 amerikanischen Ureinwohnern zwischen März 2020 und Januar 2021 an Covid-19, was mehr als doppelt so hoch ist wie die Rate weißer Amerikaner. Während viele indigene Nationen zusammenkamen, um sich gegenseitig mit Ressourcen und Hilfe zu helfen, waren die verheerenden Auswirkungen erheblich: Familien blieben ohne Angehörige zurück, darunter viele ihrer Ältesten und Lehrer, die dabei helfen, ihre Kulturen weiterzugeben Generationen.

In diese undenkbare Tragödie kam jedoch ein kleines Zeichen des Fortschritts. Die Black Lives Matter-Bewegung im Sommer 2020 hat dazu beigetragen, die Ungleichheit, mit der auch indigene Völker seit Jahrhunderten konfrontiert sind, ins Rampenlicht zu rücken. Diese Ungleichheit – vom eingeschränkten Zugang zur Gesundheitsversorgung bis hin zu Armut, die durch föderale Misswirtschaft von indigenem Land – eine Umgebung geschaffen, in der Covid-19 ihre Gemeinden überproportional beeinflusst hat.

 Als Befürworter der Bewegung für Rassengleichheit begannen, den Reichtum der einheimischen Kulturen kennenzulernen, kanalisierte ihre Unterstützung durch Investitionen in indigene Unternehmen, einschließlich Mode in indigenem Besitz Marken. Für Designer wie Bethany war dieser Zustrom an Aufmerksamkeit eine Möglichkeit, Teile ihrer Kultur zurückzugewinnen, die so oft angeeignet wurden – Denk an "Native-inspirierte" Prints auf T-Shirts – und erzählen Sie mit ihrer Kunst die Geschichte ihres Volkes und wer sie heute sind.

Gleichzeitig wird weiterhin Kleidung hergestellt, die der Tradition huldigt und Techniken verwendet, die überliefert sind Ältesten ist ein Mittel zum Schutz der Kultur, die durch die überwältigende Sterblichkeitsrate in den Ureinwohnern droht, verloren zu gehen Gemeinden.

Im Vorfeld haben wir mit drei Designern darüber gesprochen, wie das vergangene Jahr für sie war und wie sie Mode nutzen, um bewahren, feiern und teilen ihre Kultur – zu ihren eigenen Bedingungen – mit ihren Gemeinschaften und mit dem Rest der Welt.

Ich bin im Crow Indian Reservat im Südosten von Montana aufgewachsen. Ich komme aus einer sehr reichen, lebendigen Community, die voller Texturen und schöner Farben ist. Es war normal, Verwandten zuzusehen, die Dinge auf den Küchentischen herstellten. Eine meiner frühesten Erinnerungen an die Herstellung meiner eigenen Insignien ist, als meine Tante etwas Material in unser Haus brachte und sie mit mir und meiner Schwester auf dem Boden saß und wir lernten, wie man Schals mit Fransen franst. Als ich in die späte Mittelschule kam, sah meine Heimlehrerin, dass ich wirklich gut nähen konnte, sie sagte mir, dass ich eine Karriere in der Mode machen könnte.

In der Mode sehen wir keine Ureinwohner, und zum ersten Mal wurde mir klar, dass meine Gemeinschaft repräsentiert werden könnte. Ich zog nach Los Angeles und ging zur FIDM, wo ich die Grundlagen der Bekleidungsherstellung erlernte. Aber dort habe ich auch Kollektionen gesehen, die die Ästhetik der einheimischen Identität und Kultur aufgegriffen haben. Damals hatte ich nicht die Sprache, um für mich selbst zu sprechen, als ich diese Art der Aneignung sah. Aber als ich nach Hause ging, sah ich die drastische Ungleichheit bei meiner Reservierung und etwas passte einfach nicht. Also gründete ich mit Hilfe meines Vaters – der seine Rinderfarm-Ausrüstung verkaufte, um mir einen Kredit zu bekommen – mein Geschäft, b. Yellowtail, der sowohl meine Designs als auch [Designs] anderer Eingeborener verkauft.

Es hat unseren Stamm sehr, sehr hart getroffen und unsere Gemeinschaft verwüstet. Crow und Northern Cheyenne, wir haben viele Leute verloren. Meine Großmutter war acht Wochen im Krankenhaus und sie erholt sich immer noch.

Aber ich bin der Typ Mensch, bei dem ich nicht einfach nur sitzen und zusehen kann, was passiert. Glücklicherweise haben wir hier in Los Angeles eine erstaunliche Beziehung zu einem Hersteller, und als die Dinge stillgelegt wurden, stellte er auf die Herstellung von PSA um. Wir haben gerade unsere modischen Fähigkeiten in die Herstellung von Masken umgewandelt und konnten zum Glück Stoffspenden von Patagonia und Nike erhalten. Ich glaube, allein für die Navajo-Nation haben wir 60.000 Stoffmasken [verschenkt]. In meiner Stammesgemeinschaft haben wir ungefähr 50.000 unterstützt.

Ich sollte auch dieses Frühjahr eine Kollektion herausbringen. Als Covid traf, haben wir einfach alles gestoppt. Zum Glück konnten wir umziehen, und dann im vergangenen Herbst, im November, kam die Kollektion heraus und sie war die am besten aufgenommene meiner Kollektionen. Und es war auch eine Kollektion, die wir in Zusammenarbeit mit unserer Community erstellt haben. Wir haben im Field Museum in Chicago eine Ausstellung namens Apsáalooke Women and Warriors. Und es erzählt eine Geschichte unseres Volkes von unserer Schöpfungsgeschichte bis zu dem, wo wir jetzt sind.

Das grüne Kleid zeigt unsere charakteristische Textilkunst. Es sieht aus wie Tupfen, ist aber eigentlich ein Elchzahnmotiv. Elchzähne sind für die Stämme in der Stammesregion der Northern Plains kulturell wirklich bedeutsam, insbesondere für Crow und Cheyenne und Lakota. Elchzähne waren traditionell ein Zeichen von Reichtum, und in den alten Zeiten, der Ära der Vorreservierung, wurden Elchzähne auf Hochzeitskleidern genäht. Der männliche Bräutigam würde es schaffen, seine Familie würde es für die Braut machen und es wäre wie eine Mitgift, aber als Geschenk an die Frau. Ein Elchzahn bedeutet, dass er Versorger und gute Jäger ist und für die Familie sorgen kann, da jeder Elch nur zwei Elfenbeinzähne hat. Um ein komplettes Kleid zu haben, brauchst du 500 Elchzähne, um richtig zu sein. Die meisten Elchzähne im Elfenbein zu haben ist also so, als ob Sie reich sind, Sie sind wohlhabend und können versorgen. Meine Familie, wir haben eins von meiner Ururgroßmutter von Ende 1800, und es ist voller echter Elchzähne, es ist so schön.

Die Ohrringe stammen von einem unserer Kollektivkünstler, Alaynee Goodwill. Sie ist Dakota Sioux und Lakota. Und die weißen Muscheln, die da drauf sind, sind Dentalium. Dentalium-Schalen sind eine echte Schale, aber sie wurde im Nordwesten als Handelsform für den Handel verwendet und bewegte sich dann über die Ebene. Sie werden es also auf Fotos aus alten Zeiten sehen und wir verwenden es offensichtlich immer noch. Jetzt ist es in modernere Ohrringe verwandelt.

Dann ist das Blumenmotiv auf meinem lila Kleid eigentlich das gleiche Motiv wie auf meinen Mokassins. Meine Mokassins wurden von einem Apsáalooke (Krähe) Künstler für mich entworfen, Nina Sanders. Sie forschte am Smithsonian National Museum of American Indian und sah, dass Blumenmuster mit a kleine Erdbeeren darauf würden in den Museumssammlungen, alten Fotos und auf Insignien im Zusammenhang mit Yellowtail auftauchen Frauen. Und sie sagte, sie habe angefangen, von Erdbeeren zu träumen, und sie sagte: "Ich wusste nur, dass ich das für deine Mokassins entwerfen musste."

Es ist einfach etwas, mit dem ich mein ganzes Leben lang aufgewachsen bin. Meine Mutter war Grafikdesignerin. Sie arbeitete für MCA Records und machte Albumcover für einige wirklich tolle Bands aus den 70ern. Meine Großmutter war Malerin, Kunst gehörte also von Geburt an zum Leben. Aber es war wirklich, als ich anfing, bei Powwows zu tanzen [dass ich mich dafür interessierte, Designer zu werden]. Das erste, an dem ich teilnahm, war im Reservat meiner Großmutter, dem Fort Hall Indian Reservation in Idaho.

Als ich zum ersten Mal tanzte, trug ich Straßenkleidung, aber ich hatte die schönen Outfits von allen gesehen und wusste, dass ich das machen wollte. Es erfordert viel Arbeit – Perlenstickerei, Nähen; alles wird von dir und deiner Familie gemacht. Damit fing es im Grunde an, also konnte ich in den Pow-Wow-Kreis steigen und tanzen. Seitdem habe ich so ziemlich Nadel und Faden in der Hand.

Ich spreche nicht für meinen Stamm. Wer bin ich, um diese Verantwortung zu tragen? Es gibt einen ganzen Stamm von Menschen. Ich entwerfe nichts superspezifisches, weil es vielen Leuten gehört. Ich kann diese Traditionen einfach nicht übernehmen. Es ist immer eine Anspielung auf dieses spezifische Designelement meines Stammes und so ehre ich meine Leute in meiner Modearbeit.

Ich trage ein Kleid, das einer traditionellen Silhouette nachempfunden ist, man nennt es Flügelkleider. Es ist ein sehr einfacher Schnitt, aber sehr spezifisch von Stamm zu Stamm. Ich liebe einfach Farbe, ich liebe verschiedene Texturen, verschiedene Stoffe, und so habe ich dieses Kleid kreiert, als Anspielung auf ein traditionelles Kleid. Die Mokassins habe ich in meinen frühen Zwanzigern gemacht und sind alle vollperlenbesetzt. Ich trage antike Manschetten und halte einen Weißkopfseeadlerschwanzfächer. Meine Cousine [rechts im Bild] trägt ein Couture-Stück basierend auf meiner Herbst-Prämienkollektion [für meine gleichnamige Marke].

Es gibt diese Erzählung, insbesondere als einheimische Person, dass Sie [das Reservat] verlassen müssen, um Ihre Ziele zu erreichen. Ich finde die erstaunlichste Leistung für mich selbst, dass ich alles, was ich tue, direkt hier zu Hause tun kann, auf meinem Reservat. Das sehen meine Kinder. Ich bin hier, um ja zu sagen, verdammt, ja, das kannst du. Du kannst alles tun, was du willst. Solange dein Herz da ist und dein Verstand da ist und ich einfach das Gefühl habe, dass ich mir nichts Besseres wünschen kann dass ich meine Kinder hier großziehen kann und dass sie sehen, dass sie hier nicht weg müssen, um erfolgreich zu sein.

Ich bin ein Tlingit, Filipina und Kanien'kehá: ka Frau, die in die Rabengruppe, Copper River Clan, House of the Owl, hineingeboren wurde. Mein Tlingit-Name ist Keixé Yaxtí, was Morgenstern bedeutet. Ich hatte das Glück, eine Mutter und Großeltern zu haben, die traditionelle Wissensträger waren. Ich verbrachte einen Teil meiner Kindheit mit ihnen in den Tiefenarchiven von Museen, wo sie Artefakte identifizierten. In diesen tiefen Archiven staunte ich über die Handwerkskunst der Künstler der Nordwestküste. Die Perlenstickerei, das Weben und die Symmetrie in Formularzeile Künstler' waren unglaublich.

Unsere Künstler waren so innovativ – sie fanden immer Wege, neue Formen und Textilien zu formen und zu bearbeiten, darunter Holz, Bergziegenwolle, Tierhaut, Silber, Gold, Muscheln und Knochen. Als jemand, der mein ganzes Leben lang mit psychischer Gesundheit zu kämpfen hatte, begann ich, Kunst und Design zu praktizieren, um versuchen, die belastbaren Komponenten unserer Kultur zu übersetzen: Liebe, Mitgefühl, Clanbeziehungen, matrilinear Energie. Es ist demütigend, Konzepte, die manchmal immateriell sind, greifbar zu übersetzen.

Covid hat meine Familie im Jahr 2020 beeinflusst. Mein Mann konnte während des Shelter-in-Place-Mandates mehrere Monate nicht in seiner Zahnarztpraxis arbeiten. Ich arbeitete noch an meinem Master of Public Health und arbeitete gleichzeitig in Teilzeit für eine gemeinnützige Organisation. Unsere Finanzen waren die treibende Notwendigkeit für den Einstieg in das Schmuckdesign. Mein Dorf und mein Stamm haben Schutzbefehle eingeführt, weil die positiven Fälle von Covid von Menschen stammten, die von außen nach Jakutat reisten. Wir sind 2020 nicht nach Hause zurückgekehrt, um unsere Lieben zu schützen, und ich habe meine Familie und das Land schmerzlich vermisst.

Unsere Welt braucht Mitgefühl und Verständnis, und empathische Kommunikation durch kulturelle Kunst kann dabei helfen. Kunst und Design sind greifbare Ausdrucksformen von Emotion und Kultur und können wichtige gesellschaftliche und globale Themen wie Klimawandel, vermisst und indigene Frauen und Mädchen ermordet, Zweigeister [a umgangssprachlich Begriff für LGBTQ-identifizierende Personen]. In gewisser Weise hat die Pandemie einen Knappheitskomplex verstärkt – viele Menschen leiden in vielerlei Hinsicht. Ich habe erlebt und erlebt, dass Farbgemeinschaften mit seitlicher Gewalt reagieren. In der Beratung mit einem vertrauenswürdigen Ältesten und Künstler, Robert Davidson, glaube ich, dass ein Teil dieser Gewalt von einem Ort tiefgreifenden generationsübergreifenden Schmerzes herrührt. Ich habe dieses Jahr einen Trauerprozess durchgemacht, um tiefe innere Schmerzen loszulassen die ich versuche, unsere Kultur voranzutreiben und aus einem bewussten Ort der Transformation heraus zu erschaffen Verwandtschaft. Wenn wir aus der Stärke und Widerstandsfähigkeit unserer Vorfahren schöpfen und uns mit transformativer Verwandtschaft überschneiden können, können wir Sein indigener Futurismus.

Es ist nicht ungewöhnlich, dass nicht-einheimische Kunden beim Kauf einheimischer Kunst besorgt über die Aneignung sind. Wenn ein indigener Künstler mit kulturellem Wissen kreiert, verkauft er im Allgemeinen keine zeremoniellen Gegenstände an nicht indigene Völker. Wir empfehlen, direkt bei einheimischen Künstlern und Unternehmen zu kaufen. Unsere Freunde bei Achte Generation haben einen Satz geprägt, den wir oft verwenden: "Kaufe von Inspired Natives – nicht von Native-inspirierten Marken."

Diese Fotos zeigen Prototypen, die ich während meiner reflektierenden Reise entworfen habe. Die türkisfarbenen Monde waren ein Gemeinschaftsprojekt meines Entwurfs und mit Unterstützung einer Mentorin fertigte ihre Freundin Mary Jane Garcia den Ohrring an. Mary Jane ist Diné, Tl'og'i (Zia-Leute) und Kinyaa'áanii (Hochhaus-Leute) Clan. Es war ein Projekt, das auf Heilung und Verwandtschaft basierte. Das Foto mit der Trommel kommuniziert meine Beziehung zu meinem verstorbenen Großvater. Ich habe seine Trommel geerbt und die Ohrringe, die ich [für meine Marke Moonture] entworfen habe, erzählen die Geschichte des Nordlichts. Mein Großvater hat uns beigebracht, dass die Nordlichter die Geister von Menschen sind, die sich das Leben genommen haben. In den Farben der Nordlichter sehen Sie spirituelle Bewegungen, und die grüne Farbe ist das Moos, das auf ihnen gewachsen ist. Das Erstellen dieses Designs war eine Möglichkeit, meine Reise zur psychischen Gesundheit in diesem Jahr auszudrücken und mich daran zu erinnern wir brauchen dich hier.

Das Überleben der indigenen Kunst war wie ein Phönix, und ich glaube, dass die Zukunft der indigenen Mode weiter steigen wird, wenn unsere kollektiven brennenden Herzen treu bleiben. Es ist unglaublich, an alles zu denken, was indigene Völker in den letzten Jahrhunderten durchgemacht haben: Völkermord, Sklaverei, Vergewaltigung, Rassentrennung, Rassismus, Diskriminierung – aber wir haben nicht nur überlebt – sondern ein Großteil unserer Kunst ist es gedeihen. Ich hoffe, von diesem blühenden Ort aus zu kreieren und träume davon, eine Bekleidungslinie an der Schnittstelle von Tlingit-Kultur und nachhaltigem Material zu entwerfen. Ich bringe mir langsam selbst das Design und Handwerk von Erbstücken und edlem Schmuck bei, indem ich Materialien wie Alaska Jade und Walross Ivory wurde mir von der Apangalook-Familie geschenkt und mein Mann und ich lernen unter der Leitung von Anna Sheffield. Diese Ziele entsprechen meiner Hoffnung, durch transformative Kunst zu kulturellem Mitgefühl und Verständnis sowie zu empathischer Kommunikation beizutragen.