"Nuestra gente son los primeros diseñadores estadounidenses", dijo la diseñadora Bethany Yellowtail. Me habla en Zoom desde su casa en Los Ángeles, donde ha estado trabajando durante el último año. Bethany es miembro de la Nación Cheyenne del Norte y se crió en la Reserva Indígena Crow en Montana. Como muchos diseñadores nativos, crecer en torno a las hermosas insignias de su tribu inspiró su viaje hacia el diseño de moda.

En marzo de 2020, cuando el coronavirus golpeó los Estados Unidos, se vio obligada no solo a cerrar la oficina en Los Ángeles que había trabajado durante años para abrir, sino a cambiar por completo su estrategia comercial. Dado que muchas fábricas de la ciudad se centraron en la fabricación de equipos de protección personal, decidió trabajar con ellas para ayudar a los nativos de todo el país que se encontraban entre los más afectados por el coronavirus. A lo largo del año, fabricó más de 100.000 máscaras adornadas con el símbolo de su tribu, el lucero de la mañana. Fue un motivo de orgullo en una época devastadora para ella y su comunidad.

De acuerdo a El guardián, se estima que uno de cada 475 nativos americanos murió de Covid-19 entre marzo de 2020 y enero de 2021, que es más del doble de la tasa de los estadounidenses blancos. Si bien muchas naciones indígenas se unieron para ayudarse unas a otras con recursos y ayuda, los efectos devastadores fueron sustanciales: Las familias se quedaron sin seres queridos, incluidos muchos de sus mayores y maestros que ayudan a transmitir sus culturas a través de generaciones.

Sin embargo, dentro de esta tragedia impensable, apareció una pequeña señal de progreso. El movimiento Black Lives Matter en el verano de 2020 ayudó a destacar la desigualdad que los pueblos indígenas también han enfrentado durante siglos. Esa desigualdad, desde el acceso limitado a la atención médica hasta la pobreza creada por mala gestión federal de tierras indígenas - creó un entorno en el que Covid-19 impactó de manera desproporcionada a sus comunidades.

 A medida que los defensores del movimiento por la igualdad racial comenzaron a aprender sobre la riqueza de las culturas nativas, canalizaron su apoyo a través de inversiones en empresas indígenas, incluida la moda de propiedad indígena marcas. Para diseñadores como Bethany, esta afluencia de atención ha sido una forma de recuperar piezas de su cultura de las que tan a menudo se han apropiado: Piense en estampados de "inspiración nativa" en camisetas - y contar la historia de su gente y quiénes son hoy a través de su arte.

Al mismo tiempo, seguir elaborando prendas que rindan homenaje a la tradición y utilicen técnicas transmitidas a través de ancianos es un medio de proteger la cultura en riesgo de perderse con las abrumadoras tasas de mortalidad en los nativos comunidades.

A continuación, hablamos con tres diseñadores sobre cómo ha sido el año pasado para ellos y cómo están utilizando la moda para preservar, celebrar y compartir su cultura - en sus propios términos - con sus comunidades y con el resto de los mundo.

Crecí en la reserva indígena Crow, que se encuentra en el sureste de Montana. Vengo de una comunidad vibrante muy rica que está llena de texturas y hermosos colores. Era normal ver a familiares haciendo cosas en las mesas de la cocina. Uno de mis primeros recuerdos de hacer mis propias insignias es cuando mi tía trajo algo de material a nuestra casa y se sentó conmigo y con mi hermana en el suelo y aprendimos a hacer flecos en los mantones. Cuando llegué al final de la escuela secundaria, la escuela secundaria, mi maestra de ec en casa vio que podía coser muy bien, me dijo que podía tener una carrera en la moda.

No vemos a los nativos de moda y, por primera vez, me di cuenta de que mi comunidad podía estar representada. Me mudé a Los Ángeles y fui al FIDM donde aprendí los detalles básicos de la confección de prendas. Pero también fue allí donde vi colecciones que tomaban la estética de la identidad y la cultura autóctonas. En ese momento no tenía el lenguaje para hablar por mí mismo cuando vi este tipo de apropiación. Pero cuando volví a casa, vi la drástica desigualdad en mi reserva y algo simplemente no me sentó bien. Entonces, con la ayuda de mi padre, quien vendió el equipo de su rancho ganadero para ayudarme a obtener un préstamo, comencé mi negocio, b. Yellowtail, vendiendo mis diseños así como [diseños] de otros nativos.

Afectó a nuestra tribu muy, muy fuerte y devastó a nuestra comunidad. Crow y Northern Cheyenne, perdimos a mucha gente. Mi abuela estuvo en el hospital durante ocho semanas y todavía se está recuperando.

Pero soy el tipo de persona que no puedo simplemente sentarme y ver cómo sucede. Afortunadamente, tenemos una relación increíble con un fabricante aquí en Los Ángeles y cuando las cosas cesaron, se convirtió para fabricar PPE. Simplemente convertimos nuestras habilidades de moda en la fabricación de máscaras y, afortunadamente, pudimos obtener telas donadas por Patagonia y Nike. Creo que solo para la Nación Navajo, regalamos 60.000 máscaras de tela. En mi comunidad tribal, hemos apoyado a unos 50.000.

También estaba previsto que saliera una colección esta primavera. Cuando Covid golpeó, simplemente detuvimos todo. Afortunadamente pudimos cambiar, y luego, el otoño pasado, en noviembre, salió la colección y fue la mejor recibida de todas mis colecciones. Y también fue una colección que creamos en colaboración con nuestra comunidad. Tenemos una exposición en el Field Museum de Chicago llamada Apsáalooke Women and Warriors. Y cuenta una historia de nuestra gente desde nuestra historia de creación hasta donde estamos ahora.

El vestido verde presenta nuestro arte textil característico. Parece lunares, pero en realidad es un motivo de un diente de alce. Los dientes de alce son realmente importantes desde el punto de vista cultural para las tribus de la región tribal de las llanuras del norte, específicamente Crow, Cheyenne y Lakota. Los dientes de alce eran tradicionalmente un signo de riqueza, y en los viejos tiempos, antes de la reserva, los dientes de alce se cosían en los vestidos de novia. El novio masculino lo crearía, su familia lo haría para la novia y sería como una dote, pero como un regalo para la esposa. Un diente de alce significa que son proveedores y buenos cazadores y pueden mantener a la familia porque cada alce solo tiene dos dientes de marfil. Para tener un vestido completo necesitas 500 dientes de alce para que sea adecuado. Entonces, tener la mayor cantidad de dientes de alce en los marfiles es como si fueras rico, eres rico y puedes proporcionar. Mi familia, tenemos uno de mi tatarabuela de finales de 1800, y está lleno de dientes de alce reales, es tan hermoso.

Los pendientes son de uno de nuestros artistas colectivos, Buena voluntad alaynee. Ella es Dakota Sioux y Lakota. Y las conchas blancas que están ahí son dentales. Las conchas de dentalium son una concha real, pero se utilizó como una forma de comercio para el comercio en el noroeste, y luego se trasladó a través de la llanura. Entonces lo verás aparecer en fotos antiguas y obviamente todavía lo usamos. Ahora se ha transformado en pendientes más modernos.

Entonces, el motivo floral de mi vestido morado es en realidad el mismo motivo que tengo en mis mocasines. Mis mocasines fueron diseñados para mí por un artista de Apsáalooke (Crow), Nina Sanders. Ella estaba investigando en el Museo Nacional Smithsonian de Indios Americanos y vio que los diseños florales con un la pequeña fresa en ellos aparecería en las colecciones del museo, fotos antiguas y en las insignias relacionadas con Yellowtail mujeres. Y dijo que empezó a soñar con las fresas y dijo: "Sabía que necesitaba diseñar esto para tus mocasines".

Ha sido algo en lo que he crecido durante toda mi vida. Mi mamá era diseñadora gráfica. Trabajó para MCA Records e hizo portadas de álbumes para algunas bandas realmente increíbles de los años 70. Mi abuela era pintora, por lo que el arte era solo una parte de la vida desde que nací. Pero fue realmente cuando comencé a bailar en los pow wows [que me interesé en ser diseñador]. La primera a la que asistí fue en la reserva de mi abuela, la reserva india de Fort Hall en Idaho.

La primera vez que bailaba estaba con ropa de calle, pero había visto los hermosos atuendos de todos y sabía que eso era lo que quería hacer. Requiere mucho trabajo: abalorios, costura; todo está hecho por usted y su familia. Así que ahí es básicamente donde empezó, para que pudiera salir al círculo de pow wow y bailar. Prácticamente he tenido aguja e hilo en la mano desde entonces.

No hablo por mi tribu. ¿Quién soy yo para tener esa responsabilidad? Hay toda una tribu de personas. No diseño nada súper específico, porque pertenece a mucha gente. Simplemente no puedo apropiarme de esas tradiciones. Siempre es un guiño a este elemento de diseño específico de mi tribu y así es como elijo honrar a mi gente en mi trabajo de moda.

Llevo un vestido que se basa en una silueta tradicional, se llaman vestidos de alas. Es un corte muy simple pero muy específico de tribu a tribu. Me encanta el color, me encantan las diferentes texturas, las diferentes telas, y así es como creé ese vestido, solo como un guiño a un vestido tradicional. Los mocasines los hice cuando tenía poco más de veinte años y están completamente bordados. Llevo unos puños antiguos y un abanico de cola de águila calva. Mi prima [en la foto de la derecha] lleva una pieza de alta costura basada en mi colección de otoño prêt-à-porter [para mi marca epónima].

Existe esta narrativa, específicamente como nativo, de que tienes que dejar [la reserva] para lograr tus objetivos. Encuentro que el logro más asombroso para mí es que puedo hacer todo lo que estoy haciendo aquí mismo en casa, en mi reserva. Mis hijos ven eso. Estoy aquí para decir que sí, maldita sea, que sí puedes. Puedes hacer lo que quieras. Mientras tu corazón esté ahí, y tu mente esté ahí, y siento que no podría pedir nada mejor para para poder criar a mis hijos aquí y hacerles ver que no tienen que irse de aquí para tener éxito.

Soy una tlingit, filipina y kanien'kehá: una mujer ka nacida en la mitad del cuervo, el clan Copper River, la casa del búho. Mi nombre Tlingit es Keixé Yaxtí, que significa Estrella de la Mañana. Tuve la suerte de tener una madre y abuelos que eran portadores de conocimientos tradicionales. Pasé parte de mi infancia con ellos en los archivos profundos de los museos donde identificaban artefactos. Dentro de estos archivos profundos, me maravillé de la artesanía de los artistas de la costa noroeste. El trabajo de abalorios, el tejido y la simetría en Formline los artistas fueron increíbles.

Nuestros artistas fueron tan innovadores: siempre encontraron formas de dar forma y trabajar con nuevas formas y textiles, incluida la madera, la lana de cabra montesa, la piel de animal, la plata, el oro, la concha y el hueso. Como alguien que ha luchado con la salud mental a lo largo de mi vida, comencé a practicar el arte y el diseño como una forma de tratando de traducir los componentes resilientes de nuestra cultura: amor, compasión, relaciones de clan, matrilineal poder. Es una lección de humildad hacer una traducción tangible de conceptos que a veces son intangibles.

Covid impactó a mi familia en 2020. Durante los mandatos de refugio en el lugar, mi esposo no pudo trabajar en su consultorio dental durante varios meses. Todavía estaba trabajando en mi Maestría en Salud Pública y también trabajaba a tiempo parcial para una organización sin fines de lucro. Nuestras finanzas fueron la necesidad impulsora detrás de sumergirnos en el diseño de joyas. Mi pueblo y mi tribu implementaron órdenes de protección porque los casos positivos de Covid fueron de personas que viajaban a Yakutat desde el exterior. No regresamos a casa en 2020 como una forma de proteger a nuestros seres queridos y extrañaba desesperadamente a mi familia y la tierra.

Nuestro mundo necesita compasión y comprensión, y la comunicación empática a través del arte cultural puede ayudar con eso. El arte y el diseño son expresiones tangibles de la emoción y la cultura y pueden traducir importantes temas sociales y globales como el cambio climático, mujeres y niñas indígenas desaparecidas y asesinadas, personas de dos espíritus [a coloquial término para personas que se identifican LGBTQ]. De alguna manera, la pandemia ha amplificado un complejo de escasez: mucha gente está sufriendo de muchas maneras. He sido testigo y experimentado que comunidades de color reaccionan con violencia lateral. Al asesorar a un anciano y artista de confianza, Robert Davidson, creo que parte de esta violencia proviene de un lugar de profundo dolor intergeneracional. Me he encontrado pasando por un proceso de duelo este año para dejar ir un profundo dolor interno, así que que intento hacer avanzar nuestra cultura y crear desde un lugar intencional de transformación parentesco. Si podemos aprovechar la fuerza y ​​la resistencia de nuestros antepasados ​​y cruzar con el parentesco transformador, podemos ser futurismo indígena.

No es raro tener clientes no nativos preocupados por la apropiación al comprar arte nativo. En general, si un artista indígena crea con conocimiento cultural, no venderá artículos ceremoniales a personas no indígenas. Recomendamos comprar directamente a artistas y empresas indígenas. Nuestros amigos en Octava generación Hemos acuñado una frase que usamos a menudo: "Compre de Inspired Natives, no de marcas inspiradas en los nativos".

Estas fotos muestran prototipos que he estado diseñando dentro de mi viaje reflexivo. Las lunas turquesas fueron un proyecto colaborativo de mi diseño y con la ayuda de un mentor, su amiga Mary Jane García elaboró ​​el pendiente. Mary Jane es el Clan Diné, Tl'og'i (Pueblo Zia) y Kinyaa'áanii (Pueblo de las Casas Elevadas). Fue un proyecto basado en la curación y el parentesco. La foto con el tambor comunica mi relación con mi difunto abuelo. Heredé su tambor y los pendientes que diseñé [para mi marca, Moonture] cuentan la historia de la aurora boreal. Mi abuelo nos enseñó que las auroras boreales son los espíritus de personas que se han quitado la vida. Dentro de los colores de la aurora boreal, ves un movimiento espiritual, y el color verde es el musgo que ha crecido sobre ellos. Crear este diseño fue una forma de expresar mi viaje de salud mental este año y recordar que te necesitamos aquí.

La supervivencia del arte indígena ha sido como un Fénix, y creo que el futuro de la moda indígena seguirá surgiendo si nuestros corazones ardientes colectivos siguen siendo fieles. Es increíble pensar en todo lo que han pasado los pueblos indígenas en los últimos siglos: genocidio, esclavitud, violación, segregación, racismo, discriminación, pero no solo hemos sobrevivido, sino que gran parte de nuestro arte es prosperando. Espero crear desde ese lugar próspero y sueño con diseñar una línea de ropa en la intersección de la cultura Tlingit y el material sostenible. Poco a poco me estoy enseñando a mí mismo el diseño y la artesanía de reliquias y joyas finas utilizando materiales como Alaska Jade y Walrus Ivory que me regaló la familia Apangalook y mi esposo y yo estamos aprendiendo bajo la tutoría de Anna. Sheffield. Estos objetivos se remontan a mis esperanzas de contribuir a la comprensión y la compasión cultural, y a la comunicación empática a través del arte transformador.