La complejidad y brillantez de Alexander McQueen sigue siendo tan incomprensible ahora como lo era hace cuarenta años, cuando el joven diseñador produjo su primera colección. Era el príncipe oscuro de la moda, su trabajo inicialmente etiquetado como cruel y ofensivo por la prensa. A él nunca le importó. De hecho, prosperaba con la provocación y la contradicción. Hizo vestidos exquisitos y luego los desfiguró, como una elección estética. Hizo a las mujeres hermosas, pero también aterradoras. Creó ropa que estaba destinada a sentirse, tanto como a la vista.
En Alexander McQueen: invisible, un portafolio completo de imágenes pocas veces vistas, vemos a McQueen evolucionar a través de la lente del fotógrafo Robert Fairer, quien siguió de cerca al diseñador desde el principio ($ 51; amazon.com). Trabajando principalmente para Moda, Fairer capturó 30 de los 36 espectáculos legendarios de McQueen, documentando tanto la pasarela como el caótico backstage. "Las imágenes de Robert capturan la energía pura y la emoción poderosa en esos momentos que conducen a la increíble muestra ", explica Sarah Burton, una de las colaboradoras más cercanas de McQueen y ahora directora creativa de su etiqueta. "La intensidad y el enfoque, el estrés y la emoción son palpables". Eche un vistazo a las fotos de Fairer a continuación y deléitese con siete de las colecciones más memorables de McQueen.
El nihilismo era una serie de vestidos cruzados con manchas de barro, abrigos meticulosamente confeccionados sin nada debajo, y pantalones “bumster” de corte bajo, un estilo de pantalón que McQueen recrearía a lo largo de su carrera profesional. Las modelos se burlaron y movieron sus dedos medios hacia la audiencia mientras caminaban hacia una implacable banda sonora punk.
McQueen estaba obsesionado con la naturaleza, y esta colección marca la primera de varias inspiradas en la noción de depredador y presa. La ropa incluía una chaqueta de piel de potro con cuernos de impala que explotaban desde los hombros, un chaqueta con la imagen de Cristo, y una preponderancia de mezclilla blanqueada, cuero andrajoso y pieles piezas.
Rindiendo homenaje a la mártir católica Juana de Arco, McQueen vistió a las modelos en rojo sangre, negro humeante y un aspecto de cota de malla acentuado por pelucas rubias casi calvas y lentes de contacto rojos. El final contó con la modelo Erin O'Connor de pie dentro de un anillo de fuego, su rostro y cuerpo envueltos por un vestido de gotas rojas chorreantes.
Reuniendo a su audiencia alrededor de un siniestro carrusel con caballos de ojos rojos, McQueen creó un circo de pesadilla de estilo gótico. chicas con vestidos de encaje, seda y cuero cortados con láser elegantemente deconstruidos intercalados con chaquetas de inspiración militar y trajes de seda. Una modelo llevaba un cadáver de zorro dorado alrededor de su cuello como una especie de joya grotesca. Justo cuando el carnaval parecía terminar, el elenco volvió a emerger del backstage con sus caras pintadas de forma chillona como tristes payasos Arlequines.
Organizado como un juego de ajedrez a tamaño real entre Estados Unidos y Japón, McQueen fusionó elementos de ambas culturas en una colección. de conjuntos de colegialas a medida, confecciones del siglo XVIII ricamente bordadas e incluso un balón de fútbol reinventado con volantes uniforme. Predominaron las fajas de kimono y los cinturones de obi, al igual que los colores pastel y el pelo de caballo. Cada aspecto representaba una pieza de ajedrez diferente y, a medida que se desarrollaba el juego en el escenario, los modelos se movían por el tablero hasta que solo quedaban dos reinas dando vueltas entre sí.
Debajo de las alas de un pájaro enorme delineado en tubos de neón, La Dame Bleue rindió homenaje a la elegancia y excentricidad de Isabella Blow, la legendaria estilista que descubrió a McQueen cuando aún era estudiante en Central St. Martins. La colección presentaba suntuosos vestidos de plumas, trajes fuertes con cinturas ceñidas y hombros estructurados, y un variedad de tocados tremendamente ambiciosos del diseñador de sombreros Philip Treacy, incluido uno que se parecía a un enjambre de rojo mariposas
La colección final de McQueen es quizás su más opulenta y narrativa, imaginando una raza de la humanidad obligada a evolucionar bajo el agua en caso de un desastre ecológico. El espectáculo se abrió con vestidos de cóctel verdes, naranjas, marrones y dorados en una infusión de texturas terrosas y estampados de animales terrestres, combinados con gruesas botas de "armadillo" que parecían crecer directamente del modelo pierna. Gradualmente, la paleta de McQueen se volvió acuática con vestidos de medusa azul y púrpura vaporosos, chaquetas de mantarraya elegantes y tacones altos brillantes aparentemente hechos de coral. Las modelos llevaban realces faciales protésicos y trenzas que se asemejaban a branquias para realzar el efecto oceánico.