"Orang-orang kami adalah desainer Amerika pertama," kata desainer Bethany Yellowtail. Dia berbicara kepada saya di Zoom dari rumahnya di Los Angeles tempat dia bekerja selama setahun terakhir. Bethany adalah anggota Bangsa Cheyenne Utara dan dibesarkan di Reservasi Gagak Indian di Montana. Seperti banyak desainer asli, tumbuh di sekitar regalia indah sukunya menginspirasi perjalanannya ke desain fashion.
Pada Maret 2020, ketika virus corona melanda Amerika Serikat, dia terpaksa tidak hanya menutup kantor di L.A. yang telah dia buka selama bertahun-tahun, tetapi juga mengubah strategi bisnisnya sepenuhnya. Karena banyak pabrik di kota yang berputar untuk membuat APD, dia memutuskan untuk bekerja sama dengan mereka untuk menyediakan kebutuhan bagi penduduk asli di seluruh negeri yang termasuk di antara yang paling terpukul oleh virus corona. Sepanjang tahun, dia membuat lebih dari 100.000 topeng yang dihiasi dengan simbol sukunya, bintang pagi. Itu adalah sumber kebanggaan dalam waktu yang menghancurkan bagi dia dan komunitasnya.
Berdasarkan Penjaga, diperkirakan satu dari setiap 475 penduduk asli Amerika meninggal karena Covid-19 antara Maret 2020 dan Januari 2021, yang lebih dari dua kali lipat tingkat orang kulit putih Amerika. Sementara banyak negara pribumi datang bersama-sama untuk saling membantu dengan sumber daya dan bantuan, dampak yang menghancurkan sangat besar: Keluarga dibiarkan tanpa orang yang dicintai, termasuk banyak orang tua dan guru mereka yang membantu mewariskan budaya mereka generasi.
Namun, dalam tragedi yang tak terpikirkan ini, muncul tanda kemajuan kecil. Gerakan Black Lives Matter pada musim panas 2020 membantu menyoroti ketidaksetaraan yang juga dihadapi masyarakat adat selama berabad-abad. Ketidaksetaraan itu — dari akses terbatas ke perawatan kesehatan hingga kemiskinan yang diciptakan oleh salah urus federal atas tanah adat — menciptakan lingkungan di mana Covid-19 secara tidak proporsional berdampak pada komunitas mereka.
Ketika para pendukung gerakan kesetaraan ras mulai belajar tentang kekayaan budaya asli, mereka menyalurkan dukungan mereka melalui investasi di perusahaan pribumi, termasuk fashion milik pribumi merek. Untuk desainer seperti Bethany, masuknya perhatian ini telah menjadi cara untuk merebut kembali bagian dari budayanya yang telah begitu sering diapropriasi — pikirkan cetakan "terinspirasi penduduk asli" di kaus — dan ceritakan kisah orang-orangnya dan siapa mereka hari ini melalui karya seninya.
Pada saat yang sama, terus membuat pakaian yang menghormati tradisi dan menggunakan teknik yang diturunkan tetua adalah sarana untuk melindungi budaya yang berisiko hilang dengan tingkat kematian yang luar biasa di Pribumi komunitas.
Di depan, kami berbicara dengan tiga desainer tentang seperti apa tahun lalu bagi mereka, dan bagaimana mereka menggunakan mode untuk lestarikan, rayakan, dan bagikan budaya mereka — dengan cara mereka sendiri — dengan komunitas mereka dan dengan seluruh dunia.
Saya dibesarkan di Crow Indian Reservation, yang terletak di Tenggara Montana. Saya berasal dari komunitas bersemangat yang sangat kaya yang penuh dengan tekstur dan warna yang indah. Itu normal untuk melihat kerabat membuat sesuatu di meja dapur. Salah satu kenangan paling awal saya membuat regalia saya sendiri adalah ketika bibi saya membawa beberapa bahan ke rumah kami dan dia duduk bersama saya dan saudara perempuan saya di lantai dan kami belajar cara membuat selendang. Ketika saya masuk ke akhir sekolah menengah pertama, sekolah menengah atas, guru home-ec saya melihat bahwa saya bisa menjahit dengan sangat baik, dia mengatakan kepada saya bahwa saya bisa memiliki karir di bidang fashion.
Kami tidak melihat orang Pribumi dalam mode, dan untuk pertama kalinya, saya menyadari bahwa komunitas saya dapat diwakili. Saya pindah ke Los Angeles dan pergi ke FIDM di mana saya belajar mur dan baut pembuatan garmen. Namun di sana juga saya melihat koleksi yang mengambil estetika identitas dan budaya asli. Pada saat itu saya tidak memiliki bahasa untuk berbicara sendiri ketika saya melihat jenis apropriasi ini. Tetapi ketika saya pulang, saya melihat ketidaksetaraan drastis pada reservasi saya dan ada sesuatu yang tidak beres. Jadi, dengan bantuan ayah saya – yang menjual peralatan peternakannya untuk membantu saya mendapatkan pinjaman – saya memulai bisnis saya, b. Yellowtail, menjual desain saya serta [desain] Pribumi lainnya.
Itu menghantam suku kami dengan sangat, sangat keras dan menghancurkan komunitas kami. Gagak dan Cheyenne Utara, kami kehilangan banyak orang. Nenek saya berada di rumah sakit selama delapan minggu dan dia masih belum pulih.
Tapi saya tipe orang di mana saya tidak bisa hanya duduk dan menonton itu terjadi. Untungnya, kami memiliki hubungan yang luar biasa dengan produsen di sini di Los Angeles dan ketika semuanya ditutup, dia beralih membuat APD. Kami baru saja mengubah kemampuan fesyen kami menjadi topeng dan untungnya kami bisa mendapatkan kain yang disumbangkan dari Patagonia dan Nike. Saya pikir untuk Bangsa Navajo saja, kami [memberikan] 60.000 masker kain. Di komunitas suku saya, kami telah mendukung sekitar 50.000 orang.
Saya juga dijadwalkan untuk memiliki koleksi keluar musim semi ini. Ketika Covid melanda, kami menghentikan semuanya. Syukurlah kami bisa menggeser, dan kemudian musim gugur yang lalu, pada bulan November, koleksinya keluar dan itu adalah yang paling banyak diterima dari semua koleksi saya. Dan itu juga koleksi yang kami buat bekerja sama dengan komunitas kami. Kami mengadakan pameran di Field Museum di Chicago yang disebut Apsáalooke Women and Warriors. Dan itu menceritakan kisah orang-orang kita dari kisah penciptaan kita hingga di mana kita berada sekarang.
Gaun hijau menampilkan seni tekstil khas kami. Ini terlihat seperti bintik-bintik tetapi sebenarnya motif gigi rusa. Gigi rusa sangat penting secara budaya bagi suku-suku di wilayah suku Northern Plains, khususnya Gagak dan Cheyenne dan Lakota. Gigi rusa secara tradisional adalah tanda kekayaan, dan di masa lalu, era pra-reservasi, gigi rusa dijahit pada gaun pengantin. Pengantin pria akan membuatnya, keluarganya akan membuatnya untuk pengantin wanita dan itu akan seperti mas kawin, tetapi sebagai hadiah untuk istri. Sebuah gigi rusa menandakan bahwa mereka adalah penyedia dan pemburu yang baik dan dapat menafkahi keluarga karena setiap rusa hanya memiliki dua gigi gading di atasnya. Untuk memiliki gaun yang lengkap, Anda membutuhkan 500 gigi rusa agar benar. Jadi memiliki gigi rusa paling banyak di gading sama seperti Anda kaya, Anda kaya dan Anda bisa memberi. Keluarga saya, kami memiliki satu dari nenek buyut saya dari akhir 1800-an, dan itu penuh dengan gigi rusa asli, sangat indah.
Anting-anting tersebut berasal dari salah satu seniman kolektif kami, Niat Baik Alaynee. Dia adalah Dakota Sioux dan Lakota. Dan cangkang putih yang ada di sana adalah dentalium. Cangkang Dentalium adalah cangkang yang sebenarnya, tetapi digunakan sebagai bentuk perdagangan untuk perdagangan di Barat Laut, dan kemudian dipindahkan melintasi Dataran. Jadi Anda akan melihatnya muncul di foto lama dan kami jelas masih menggunakannya. Sekarang sudah menjelma menjadi anting yang lebih modern.
Kemudian motif bunga pada gaun ungu saya sebenarnya sama dengan motif yang ada pada sepatu saya. Sepatu saya dirancang untuk saya oleh seniman Apsáalooke (Gagak), Nina Sanders. Dia sedang melakukan penelitian di Smithsonian National Museum of American Indian dan melihat desain bunga dengan stroberi kecil di atasnya akan muncul di koleksi museum, foto-foto lama, dan di regalia yang terhubung ke Yellowtail wanita. Dan dia berkata dia mulai bermimpi tentang stroberi dan dia seperti, "Saya baru tahu bahwa saya perlu mendesain ini untuk sepatu Anda."
Itu hanya sesuatu yang saya tumbuhkan sepanjang hidup saya. Ibuku adalah seorang desainer grafis. Dia bekerja untuk MCA Records dan membuat sampul album untuk beberapa band yang benar-benar luar biasa dari tahun 70-an. Nenek saya adalah seorang pelukis, jadi seni hanyalah bagian dari kehidupan sejak lahir. Tapi itu benar-benar ketika saya mulai menari di pow wows [saya menjadi tertarik menjadi seorang desainer]. Yang pertama saya hadiri adalah di reservasi nenek saya, Fort Hall Indian Reservation di Idaho.
Pertama kali saya menari, saya mengenakan pakaian jalanan, tetapi saya telah melihat pakaian indah semua orang dan tahu itulah yang ingin saya lakukan. Ini membutuhkan banyak pekerjaan — beadwork, menjahit; semuanya dibuat oleh Anda sendiri dan keluarga Anda. Jadi pada dasarnya di mana itu dimulai, jadi saya bisa keluar di lingkaran pow wow dan menari. Saya sudah cukup banyak memiliki jarum dan benang di tangan saya sejak itu.
Saya tidak berbicara untuk suku saya. Siapa saya untuk memiliki tanggung jawab itu? Ada seluruh suku orang. Saya tidak mendesain sesuatu yang super spesifik, karena itu milik banyak orang. Saya tidak bisa mengambil kepemilikan dari tradisi-tradisi itu. Itu selalu mengacu pada elemen desain khusus dari suku saya dan itulah cara saya memilih untuk menghormati orang-orang saya dalam karya mode saya.
Saya mengenakan gaun yang didasarkan pada siluet tradisional, mereka disebut gaun sayap. Ini adalah potongan yang sangat sederhana tetapi sangat spesifik untuk suku. Saya suka warna, saya suka tekstur yang berbeda, kain yang berbeda, dan begitulah cara saya membuat gaun itu, sama seperti gaun tradisional. Sepatu mokasin yang saya buat di awal usia dua puluhan dan semuanya terbuat dari manik-manik. Saya memakai borgol antik, dan saya memegang kipas ekor elang botak. Sepupu saya [digambarkan di sebelah kanan] mengenakan potongan couture berdasarkan koleksi siap pakai musim gugur saya [untuk merek eponymous saya].
Ada narasi ini, khususnya sebagai orang Pribumi, bahwa Anda harus meninggalkan [reservasi] untuk mencapai tujuan Anda. Saya menemukan pencapaian yang paling luar biasa untuk diri saya sendiri adalah bahwa saya dapat melakukan semua yang saya lakukan di sini, di rumah, dengan reservasi saya. Anak-anak saya melihat itu. Saya di sini untuk mengatakan ya, sial, ya Anda bisa. Anda dapat melakukan apapun yang Anda inginkan. Selama hatimu ada di sana, dan pikiranmu ada di sana, dan aku hanya merasa bahwa aku tidak bisa meminta sesuatu yang lebih baik untuk itu. saya untuk dapat membesarkan anak-anak saya di sini, dan membuat mereka melihat bahwa mereka tidak harus pergi dari sini untuk menjadi sukses.
Saya A Tlingit, Filipina, dan Kanien'kehá: wanita ka yang lahir di lingkungan Raven, Klan Sungai Tembaga, Rumah Burung Hantu. Nama Tlingit saya adalah Keixé Yaxtí, artinya Bintang Kejora. Saya cukup beruntung memiliki ibu dan kakek nenek yang merupakan pembawa pengetahuan tradisional. Saya menghabiskan sebagian masa kecil saya bersama mereka di arsip museum yang dalam di mana mereka akan mengidentifikasi artefak. Di dalam arsip yang dalam ini, saya mengagumi keahlian Seniman Pantai Barat Laut. Manik-manik, tenun, dan simetri di Garis formulir seniman 'yang luar biasa.
Seniman kami sangat inovatif — mereka selalu menemukan cara untuk membentuk dan bekerja dengan bentuk dan tekstil baru, termasuk kayu, wol kambing gunung, kulit binatang, perak, emas, cangkang, dan tulang. Sebagai seseorang yang telah berjuang dengan kesehatan mental sepanjang hidup saya, saya mulai berlatih seni dan desain sebagai cara mencoba menerjemahkan komponen budaya kita yang tangguh: cinta, kasih sayang, hubungan klan, matrilineal kekuasaan. Sangatlah rendah hati untuk membuat terjemahan nyata dari konsep-konsep yang terkadang tidak berwujud.
Covid berdampak pada keluarga saya di tahun 2020. Selama mandat shelter-in-place, suami saya tidak dapat bekerja di praktik giginya selama beberapa bulan. Saya masih bekerja di Magister Kesehatan Masyarakat saya sementara juga bekerja paruh waktu untuk nirlaba. Keuangan kami adalah kebutuhan yang menggembleng di balik menyelam ke dalam desain perhiasan. Desa dan suku saya menerapkan perintah perlindungan karena kasus positif Covid adalah orang-orang yang bepergian ke Yakutat dari luar. Kami tidak pulang ke rumah pada tahun 2020 sebagai cara untuk melindungi orang yang kami cintai dan saya sangat merindukan keluarga dan tanah saya.
Dunia kita membutuhkan belas kasih dan pengertian, dan komunikasi empatik melalui seni budaya dapat membantu dengan itu. Seni dan desain adalah ekspresi nyata dari emosi dan budaya dan mereka dapat menerjemahkan topik sosial dan global yang penting seperti perubahan iklim, hilang, dan membunuh perempuan dan anak perempuan pribumi, orang berjiwa dua [a bahasa sehari-hari istilah untuk orang yang mengidentifikasi LGBTQ]. Dalam beberapa hal, pandemi telah memperkuat kompleks kelangkaan — banyak orang terluka dalam banyak hal. Saya telah menyaksikan, dan komunitas kulit berwarna yang berpengalaman bereaksi dengan kekerasan lateral. Dalam konseling dengan seorang penatua dan seniman tepercaya, Robert Davidson, saya percaya bahwa beberapa dari kekerasan ini berasal dari tempat rasa sakit antargenerasi yang mendalam. Saya telah menemukan diri saya melalui proses berduka tahun ini untuk melepaskan rasa sakit internal yang mendalam jadi bahwa saya mencoba untuk memanggil budaya kita maju dan menciptakan dari tempat transformatif yang disengaja kekerabatan. Jika kita bisa mengambil dari kekuatan dan ketangguhan nenek moyang kita dan bersinggungan dengan kekerabatan transformatif, kita bisa menjadi futurisme pribumi.
Bukan hal yang aneh jika pelanggan non-pribumi khawatir tentang apropriasi saat membeli karya seni asli. Secara umum, jika seniman pribumi berkreasi dengan pengetahuan budaya, mereka tidak akan menjual barang-barang upacara kepada orang non-pribumi. Kami merekomendasikan pembelian langsung dari seniman dan bisnis pribumi. Teman-teman kita di Generasi Kedelapan telah menciptakan frasa yang sering kita gunakan: "Beli dari Inspired Natives — bukan dari merek yang terinspirasi native."
Foto-foto ini menampilkan prototipe yang telah saya rancang dalam perjalanan reflektif saya. Bulan pirus adalah proyek kolaboratif dari desain saya dan dengan bantuan seorang mentor, teman mereka Mary Jane Garcia membuat anting-anting tersebut. Mary Jane adalah Klan Diné, Tl'og'i (Orang Zia), dan Kinyaa'áanii (Orang Rumah Menjulang). Itu adalah proyek berdasarkan penyembuhan dan kekerabatan. Foto dengan drum mengomunikasikan hubungan saya dengan almarhum kakek saya. Saya mewarisi drumnya, dan anting-anting yang saya rancang [untuk merek saya, Moonture] menceritakan kisah Cahaya Utara. Kakek saya mengajari kami bahwa Cahaya Utara adalah roh orang-orang yang telah mengambil nyawa mereka sendiri. Dalam warna cahaya utara, Anda melihat gerakan spiritual, dan warna hijau adalah lumut yang tumbuh di atasnya. Membuat desain ini adalah cara untuk mengekspresikan perjalanan kesehatan mental saya tahun ini dan mengingatnya kami membutuhkanmu di sini.
Kelangsungan hidup seni asli telah seperti Phoenix, dan saya percaya bahwa masa depan mode asli akan terus melonjak jika hati kita yang membara tetap benar. Sungguh luar biasa untuk memikirkan semua yang telah dialami masyarakat adat dalam beberapa abad terakhir: genosida, perbudakan, pemerkosaan, segregasi, rasisme, diskriminasi — tetapi kami tidak hanya bertahan — tetapi banyak dari seni kami berkembang. Saya berharap dapat menciptakan dari tempat yang berkembang dan impian untuk merancang lini pakaian di persimpangan budaya Tlingit dan bahan yang berkelanjutan. Saya perlahan-lahan belajar sendiri desain dan kerajinan pusaka dan perhiasan yang memanfaatkan bahan-bahan seperti Alaska Jade dan Walrus Ivory yang diberikan kepada saya oleh keluarga Apangalook dan saya dan suami saya belajar di bawah bimbingan Anna Sheffield. Tujuan ini kembali ke harapan saya untuk berkontribusi pada kasih sayang dan pemahaman budaya, dan komunikasi empatik melalui seni transformatif.