"I nostri dipendenti sono i primi designer americani", ha affermato la designer Bethany Yellowtail. Mi sta parlando su Zoom da casa sua a Los Angeles, dove lavora da un anno. Bethany è un membro della Northern Cheyenne Nation ed è cresciuta nella riserva indiana Crow nel Montana. Come molti designer nativi, crescere attorno alle splendide insegne della sua tribù ha ispirato il suo viaggio nel design della moda.

Nel marzo 2020, quando il coronavirus ha colpito gli Stati Uniti, è stata costretta non solo a chiudere l'ufficio a Los Angeles che aveva lavorato per anni per aprire, ma a cambiare completamente la sua strategia aziendale. Poiché molte fabbriche della città si sono concentrate sulla produzione di DPI, ha deciso di lavorare con loro per provvedere ai nativi in ​​tutto il paese che sono stati tra i più colpiti dal coronavirus. Nel corso dell'anno, ha realizzato oltre 100.000 maschere con il simbolo della sua tribù, la Morning Star. È stato motivo di orgoglio in un momento devastante per lei e la sua comunità.

Secondo Il guardiano, si stima che uno su 475 nativi americani sia morto di Covid-19 tra marzo 2020 e gennaio 2021, che è più del doppio del tasso dei bianchi americani. Mentre molte nazioni indigene si sono unite per aiutarsi a vicenda con risorse e aiuti, gli effetti devastanti sono stati sostanziali: Le famiglie sono rimaste senza persone care, compresi molti dei loro anziani e insegnanti che aiutano a tramandare le loro culture generazioni.

All'interno di questa impensabile tragedia, però, è arrivato un piccolo segno di progresso. Il movimento Black Lives Matter nell'estate del 2020 ha contribuito a portare i riflettori sulla disuguaglianza che le popolazioni indigene hanno dovuto affrontare per secoli. Quella disuguaglianza - dall'accesso limitato all'assistenza sanitaria alla povertà creata da cattiva gestione federale delle terre indigene – ha creato un ambiente in cui il Covid-19 ha avuto un impatto sproporzionato sulle loro comunità.

 Quando i sostenitori del movimento per l'uguaglianza razziale iniziarono a conoscere la ricchezza delle culture native, loro... incanalato il loro sostegno attraverso investimenti in aziende indigene, compresa la moda di proprietà indigena Marche. Per designer come Bethany, questo afflusso di attenzione è stato un modo per recuperare pezzi della sua cultura di cui così spesso si è appropriato - pensa alle stampe "ispirate ai nativi" sulle magliette – e racconta la storia della sua gente e chi sono oggi attraverso la sua arte.

Allo stesso tempo, continuando a realizzare abiti che omaggino la tradizione e utilizzino tecniche tramandate anziani è un mezzo per proteggere la cultura che rischia di essere persa con gli schiaccianti tassi di mortalità tra i nativi comunità.

In anticipo, abbiamo parlato con tre designer di come è stato per loro l'anno passato e di come stanno usando la moda per preservare, celebrare e condividere la loro cultura — alle loro condizioni — con le loro comunità e con il resto della popolazione mondo.

Sono cresciuto nella riserva indiana Crow, nel Montana sudorientale. Vengo da una comunità molto ricca e vibrante, piena di trame e bei colori. Era normale vedere i parenti fare le cose sui tavoli della cucina. Uno dei miei primi ricordi di quando ho realizzato le mie insegne è quando mia zia ha portato del materiale a casa nostra e si è seduta con me e mia sorella sul pavimento e abbiamo imparato a frangiare gli scialli. Quando sono arrivata alla fine della scuola media, al liceo, la mia insegnante di home-ec ha visto che potevo cucire molto bene, mi ha detto che potevo avere una carriera nella moda.

Non vediamo i nativi nella moda, e per la prima volta ho capito che la mia comunità poteva essere rappresentata. Mi sono trasferito a Los Angeles e sono andato alla FIDM dove ho imparato i dadi e i bulloni della creazione di indumenti. Ma è stato anche lì che ho visto collezioni che prendevano l'estetica dell'identità e della cultura nativa. A quel tempo non avevo la lingua per parlare da solo quando ho visto questo tipo di appropriazione. Ma quando sono tornato a casa, ho visto la drastica disuguaglianza nella mia prenotazione e qualcosa non andava bene. Così, con l'aiuto di mio padre – che ha venduto la sua attrezzatura da allevamento di bestiame per aiutarmi a ottenere un prestito – ho iniziato la mia attività, b. Yellowtail, vendendo i miei disegni e [disegni] di altri nativi.

Ha colpito molto duramente la nostra tribù e ha devastato la nostra comunità. Crow e Northern Cheyenne, abbiamo perso molte persone. Mia nonna è stata in ospedale per otto settimane e si sta ancora riprendendo.

Ma io sono il tipo di persona in cui non posso semplicemente sedermi e guardarlo accadere. Fortunatamente, abbiamo un rapporto straordinario con un produttore qui a Los Angeles e quando le cose si sono chiuse, si è convertito alla produzione di DPI. Abbiamo appena trasformato le nostre abilità nella moda nella creazione di maschere e per fortuna siamo stati in grado di ottenere tessuti donati da Patagonia e Nike. Penso che solo per la Navajo Nation, abbiamo [dato via] 60.000 maschere di stoffa. Nella mia comunità tribale, abbiamo sostenuto circa 50.000.

Avevo anche in programma di far uscire una collezione questa primavera. Quando è arrivato il Covid, abbiamo semplicemente fermato tutto. Per fortuna siamo riusciti a cambiare, e poi lo scorso autunno, a novembre, è uscita la collezione ed è stata la migliore di tutte le mie collezioni. Ed è stata anche una collezione che abbiamo creato in collaborazione con la nostra community. Abbiamo una mostra al Field Museum di Chicago chiamata Apsáaloke Women and Warriors. E racconta una storia della nostra gente dalla nostra storia di creazione a dove siamo ora.

L'abito verde presenta la nostra esclusiva arte tessile. Sembrano dei pois ma in realtà è il motivo di un dente di alce. I denti di alce sono davvero significativi culturalmente per le tribù della regione tribale delle pianure settentrionali, in particolare Crow, Cheyenne e Lakota. I denti di alce erano tradizionalmente un segno di ricchezza, e ai vecchi tempi, nell'era della pre-prenotazione, i denti di alce venivano cuciti sugli abiti da sposa. Lo creerebbe lo sposo maschio, lo realizzerebbe la sua famiglia per la sposa e sarebbe come una dote, ma come regalo alla moglie. Un dente di alce significa che sono fornitori e buoni cacciatori e possono provvedere alla famiglia perché ogni alce ha solo due denti d'avorio su di esso. Per avere un vestito completo hai bisogno di 500 denti di alce per essere corretto. Quindi avere più denti di alce negli avori è proprio come se fossi ricco, sei ricco e puoi provvedere. La mia famiglia, ne abbiamo una della mia trisnonna della fine del 1800, ed è piena di veri denti d'alce, è così bella.

Gli orecchini sono di uno dei nostri artisti collettivi, Alaynee Goodwill. Lei è Dakota Sioux e Lakota. E i gusci bianchi che ci sono sono dentalium. I gusci di Dentalium sono un vero guscio, ma sono stati usati come forma di commercio per il commercio nel nord-ovest, e poi si sono spostati attraverso la pianura. Quindi lo vedrai apparire nelle foto dei vecchi tempi e ovviamente lo usiamo ancora. Ora si è trasformato in orecchini più moderni.

Poi il motivo floreale sul mio vestito viola è in realtà lo stesso motivo che c'è sui miei mocassini. I miei mocassini sono stati disegnati per me da un artista Apsáalooke (Corvo), Nina Sanders. Stava facendo ricerche allo Smithsonian National Museum of American Indian e ha visto che i disegni floreali con a una piccola fragola su di loro sarebbe apparsa nelle collezioni del museo, vecchie foto e insegne collegate a Yellowtail donne. E ha detto che ha iniziato a sognare le fragole ed è tipo: "Sapevo solo che dovevo disegnare questo per i tuoi mocassini".

È solo qualcosa che sono cresciuto intorno a tutta la mia vita. Mia madre era una graphic designer. Ha lavorato per la MCA Records e ha realizzato copertine di album per alcune band davvero straordinarie degli anni '70. Mia nonna era una pittrice, quindi l'arte era solo una parte della vita sin dalla nascita. Ma è stato davvero quando ho iniziato a ballare ai pow wow [che mi sono interessato a diventare un designer]. La prima a cui ho partecipato è stata nella riserva di mia nonna, la riserva indiana di Fort Hall nell'Idaho.

La mia prima volta che ho ballato ero in abiti civili, ma avevo visto i bei vestiti di tutti e sapevo che era quello che volevo fare. Richiede molto lavoro: perline, cucito; tutto è fatto da te e dalla tua famiglia. Quindi è praticamente da dove è iniziato, quindi ho potuto uscire nel cerchio pow wow e ballare. Da allora ho più o meno ago e filo in mano.

Non parlo per la mia tribù. Chi sono io per avere questa responsabilità? C'è un'intera tribù di persone. Non progetto nulla di super specifico, perché appartiene a molte persone. Non riesco proprio a prendermi possesso di quelle tradizioni. È sempre un cenno a questo specifico elemento di design della mia tribù ed è così che scelgo di onorare la mia gente nel mio lavoro di moda.

Indosso un vestito che si basa su una silhouette tradizionale, si chiamano abiti con le ali. È un taglio molto semplice ma molto specifico da tribù a tribù. Amo il colore, amo le diverse trame, i diversi tessuti, ed è così che ho creato quell'abito, proprio come un cenno a un abito tradizionale. I mocassini che ho realizzato nei miei primi vent'anni e sono tutti completamente con perline. Indosso polsini antichi e tengo in mano un ventaglio a coda d'aquila calva. Mio cugino [nella foto a destra] indossa un capo di alta moda basato sulla mia collezione prêt-à-porter autunnale [per il mio marchio omonimo].

C'è questa narrativa, in particolare come persona nativa, che devi lasciare [la prenotazione] per raggiungere i tuoi obiettivi. Trovo che il risultato più sorprendente per me stesso sia che posso fare tutto quello che sto facendo proprio qui a casa, sulla mia prenotazione. I miei figli lo vedono. Sono qui per dire di sì, dannazione, sì che puoi. Puoi fare tutto quello che vuoi. Finché il tuo cuore è lì, e la tua mente è lì, e sento che non potrei chiedere di meglio per essere in grado di crescere i miei figli qui e fargli vedere che non devono andarsene da qui per avere successo.

Sono A Tlingit, Filipina, e Kanien'kehá: ka donna nata nella metà dei Corvi, Clan del Fiume Rame, Casa del Gufo. Il mio nome Tlingit è Keixé Yaxtí, che significa Stella del Mattino. Ho avuto la fortuna di avere una madre e dei nonni che erano portatori di conoscenze tradizionali. Ho trascorso una parte della mia infanzia con loro negli archivi profondi dei musei dove identificavano i manufatti. All'interno di questi archivi profondi, mi sono meravigliato della maestria degli artisti della costa nord-occidentale. La perlina, la tessitura e la simmetria in linea di forma gli artisti erano incredibili.

I nostri artisti erano così innovativi: hanno sempre trovato il modo di modellare e lavorare con nuove forme e tessuti, tra cui legno, lana di capra di montagna, pelle di animale, argento, oro, conchiglia e osso. Come qualcuno che ha lottato con la salute mentale per tutta la vita, ho iniziato a praticare l'arte e il design come un modo di cercando di tradurre le componenti resilienti della nostra cultura: amore, compassione, relazioni di clan, matrilineari potenza. È umiliante fare una traduzione tangibile di concetti che a volte sono intangibili.

Il Covid ha colpito la mia famiglia nel 2020. Durante i mandati di ricovero in loco, mio ​​marito non ha potuto lavorare nel suo studio dentistico per diversi mesi. Stavo ancora lavorando ai miei Master in sanità pubblica mentre lavoravo anche part-time per un'organizzazione no-profit. Le nostre finanze erano il bisogno galvanizzante dietro l'immersione nel design di gioielli. Il mio villaggio e la mia tribù hanno implementato ordini di protezione perché i casi positivi di Covid sono stati causati da persone che si recavano a Yakutat dall'esterno. Non siamo tornati a casa nel 2020 per proteggere i nostri cari e mi mancava disperatamente la mia famiglia e la terra.

Il nostro mondo ha bisogno di compassione e comprensione, e la comunicazione empatica attraverso l'arte culturale può aiutare in questo. Arte e design sono espressioni tangibili di emozione e cultura e possono tradurre importanti temi sociali e globali come il cambiamento climatico, donne e ragazze indigene scomparse e assassinate, persone con due spiriti [a colloquiale termine per persone che identificano LGBTQ]. In un certo senso, la pandemia ha amplificato un complesso di scarsità: molte persone stanno soffrendo in così tanti modi. Ho assistito e sperimentato le comunità di colore che reagiscono con violenza laterale. Nella consulenza con un anziano e artista di fiducia, Robert Davidson, credo che parte di questa violenza provenga da un luogo di profondo dolore intergenerazionale. Quest'anno mi sono ritrovato ad affrontare un processo di lutto per lasciar andare un profondo dolore interno, quindi che cerco di chiamare avanti la nostra cultura e creare da un luogo intenzionale di trasformazione parentela. Se possiamo attingere alla forza e alla resilienza dei nostri antenati e incrociare la parentela trasformativa, possiamo essere futurismo indigeno.

Non è raro avere clienti non nativi preoccupati per l'appropriazione quando si acquistano opere d'arte autoctone. In generale, se un artista indigeno crea con conoscenza culturale, non venderà oggetti cerimoniali a persone non indigene. Consigliamo di acquistare direttamente da artisti e aziende indigene. I nostri amici di Ottava generazione hanno coniato una frase che usiamo spesso: "Compra da Inspired Natives, non da marchi di ispirazione nativa".

Queste foto mostrano i prototipi che ho progettato durante il mio viaggio riflessivo. Le lune turchesi erano un progetto collaborativo del mio design e con l'assistenza di un mentore, la loro amica Mary Jane Garcia ha realizzato l'orecchino. Mary Jane è il clan Diné, Tl'og'i (Gente Zia) e Kinyaa'áanii (Popolo Torrente). Era un progetto basato sulla guarigione e sulla parentela. La foto con il tamburo comunica il mio rapporto con il mio defunto nonno. Ho ereditato il suo tamburo e gli orecchini che ho disegnato [per il mio marchio, Moonture] raccontano la storia dell'aurora boreale. Mio nonno ci ha insegnato che l'aurora boreale sono gli spiriti delle persone che si sono tolte la vita. All'interno dei colori dell'aurora boreale, vedi il movimento spirituale, e il colore verde è il muschio che è cresciuto su di loro. Creare questo design è stato un modo per esprimere il mio viaggio di salute mentale quest'anno e ricordarlo abbiamo bisogno di te qui.

La sopravvivenza dell'arte indigena è stata come una fenice e credo che il futuro della moda indigena continuerà a crescere se i nostri cuori ardenti collettivi rimarranno fedeli. È incredibile pensare a tutto ciò che gli indigeni hanno attraversato negli ultimi secoli: genocidio, schiavitù, stupro, segregazione, razzismo, discriminazione - ma non solo siamo sopravvissuti - ma gran parte della nostra arte è fiorente. Spero di creare da quel luogo fiorente e sogno di progettare una linea di abbigliamento all'intersezione tra la cultura Tlingit e il materiale sostenibile. Sto lentamente insegnando a me stesso il design e l'artigianato di cimeli e gioielli utilizzando materiali come Alaska Jade e Walrus Ivory regalatomi dalla famiglia Apangalook e io e mio marito stiamo imparando sotto la guida di Anna Sheffield. Questi obiettivi ritornano alle mie speranze di contribuire alla compassione e alla comprensione culturale e alla comunicazione empatica attraverso l'arte trasformativa.