"Onze mensen zijn de eerste Amerikaanse ontwerpers", zegt ontwerpster Bethany Yellowtail. Ze praat met me op Zoom vanuit haar huis in Los Angeles, waar ze het afgelopen jaar heeft gewerkt. Bethany is een lid van de Northern Cheyenne Nation en groeide op in het Crow Indian Reservation in Montana. Zoals veel inheemse ontwerpers inspireerde het opgroeien rond de prachtige regalia van haar stam haar reis naar modeontwerp.
In maart 2020, toen het coronavirus de Verenigde Staten trof, werd ze gedwongen om niet alleen het kantoor in L.A. te sluiten waar ze jaren aan had gewerkt om te openen, maar ook om haar bedrijfsstrategie volledig om te gooien. Omdat veel fabrieken in de stad zich richtten op het maken van persoonlijke beschermingsmiddelen, besloot ze met hen samen te werken om te zorgen voor inheemse mensen in het hele land die het zwaarst werden getroffen door het coronavirus. In de loop van het jaar maakte ze meer dan 100.000 maskers met het symbool van haar stam, de morgenster. Het was een bron van trots op een verwoestende tijd voor haar en haar gemeenschap.
Volgens de bewaker, stierf naar schatting één op elke 475 inheemse Amerikanen tussen maart 2020 en januari 2021 aan Covid-19, wat meer dan het dubbele is van het aantal blanke Amerikanen. Hoewel veel inheemse naties samenkwamen om elkaar te helpen met middelen en hulp, waren de verwoestende gevolgen aanzienlijk: Gezinnen bleven achter zonder dierbaren, waaronder veel van hun ouderen en leraren die helpen hun culturen door te geven generaties.
Binnen deze ondenkbare tragedie kwam echter een klein teken van vooruitgang. De Black Lives Matter-beweging in de zomer van 2020 hielp de ongelijkheid in de schijnwerpers te zetten waarmee ook inheemse volkeren eeuwenlang te maken hebben gehad. Die ongelijkheid — van beperkte toegang tot gezondheidszorg tot armoede gecreëerd door federaal wanbeheer van inheemse gronden — creëerde een omgeving waarin Covid-19 een onevenredige impact had op hun gemeenschappen.
Toen voorstanders van de beweging voor rassengelijkheid begonnen te leren over de rijkdom van inheemse culturen, begonnen ze hebben hun steun gekanaliseerd via investeringen in inheemse bedrijven, waaronder mode die eigendom is van de inheemse bevolking merken. Voor ontwerpers als Bethany was deze toestroom van aandacht een manier om stukken van haar cultuur terug te winnen die zich zo vaak hebben toegeëigend - denk aan "Native-geïnspireerde" prints op T-shirts - en vertel het verhaal van haar mensen en wie ze vandaag zijn door middel van haar kunst.
Tegelijkertijd doorgaan met het maken van kleding die een eerbetoon is aan traditie en gebruik maakt van doorgegeven technieken ouderlingen is een middel om de cultuur te beschermen die het risico loopt verloren te gaan met de overweldigende sterftecijfers in de Native gemeenschappen.
Verderop spraken we met drie ontwerpers over hoe het afgelopen jaar voor hen was en hoe ze mode gebruiken om hun cultuur behouden, vieren en delen - op hun eigen voorwaarden - met hun gemeenschappen en met de rest van de wereld.
Ik ben opgegroeid in het Crow Indian Reservation, in het zuidoosten van Montana. Ik kom uit een zeer rijke levendige gemeenschap die vol zit met texturen en prachtige kleuren. Het was normaal om familieleden dingen op de keukentafels te zien maken. Een van mijn vroegste herinneringen aan het maken van mijn eigen regalia is toen mijn tante wat materiaal naar ons huis bracht en ze met mij en mijn zus op de grond zat en we leerden hoe we sjaals moesten franjes maken. Toen ik aan het eind van de middelbare school kwam, zag mijn home-ec-leraar dat ik heel goed kon naaien, ze vertelde me dat ik een carrière in de mode kon hebben.
We zien geen inheemse mensen in de mode, en voor het eerst realiseerde ik me dat mijn gemeenschap vertegenwoordigd zou kunnen zijn. Ik verhuisde naar Los Angeles en ging naar FIDM, waar ik de moeren en bouten van het maken van kleding leerde. Maar het was ook daar dat ik collecties zag die de esthetiek van de inheemse identiteit en cultuur gebruikten. Ik had toen de taal niet om voor mezelf op te komen toen ik dit soort toe-eigening zag. Maar toen ik naar huis ging, zag ik de drastische ongelijkheid op mijn reservering en er klopte gewoon iets niet. Dus met de hulp van mijn vader – die zijn veeboerderijuitrusting verkocht om me te helpen een lening te krijgen – begon ik mijn bedrijf, b. Yellowtail, die mijn ontwerpen verkoopt, evenals [ontwerpen] van andere inboorlingen.
Het trof onze stam heel, heel hard en verwoestte onze gemeenschap. Crow en Northern Cheyenne, we hebben veel mensen verloren. Mijn oma heeft acht weken in het ziekenhuis gelegen en is nog steeds aan het herstellen.
Maar ik ben het type persoon waarbij ik niet gewoon kan zitten kijken hoe het gebeurt. Gelukkig hebben we een geweldige relatie met een fabrikant hier in Los Angeles en toen de zaken stilvielen, stapte hij over op het maken van persoonlijke beschermingsmiddelen. We hebben zojuist onze modevaardigheden omgezet in het maken van maskers en gelukkig konden we stof krijgen van Patagonia en Nike. Ik denk dat we alleen al voor de Navajo Nation 60.000 stoffen maskers [weggaven]. In mijn stamgemeenschap hebben we ongeveer 50.000 gesteund.
Ik was ook van plan om dit voorjaar een collectie uit te brengen. Toen Covid toesloeg, stopten we gewoon alles. Gelukkig konden we verschuiven, en afgelopen herfst, in november, kwam de collectie uit en het was de best ontvangen van al mijn collecties. En het was ook een collectie die we in samenwerking met onze community hebben gemaakt. We hebben een tentoonstelling in het Field Museum in Chicago genaamd Apsáalooke Women and Warriors. En het vertelt een verhaal van onze mensen vanaf ons scheppingsverhaal tot waar we nu zijn.
De groene jurk is voorzien van onze kenmerkende textielkunst. Het lijkt op stippen, maar het is eigenlijk een motief van een elandtand. De tanden van elanden zijn cultureel echt belangrijk voor stammen in de stammenregio Northern Plains, met name Crow en Cheyenne en Lakota. Elandentanden waren traditioneel een teken van rijkdom, en in de oude tijden, het pre-reserveringstijdperk, werden elandentanden op trouwjurken gestikt. De mannelijke bruidegom zou het maken, zijn familie zou het voor de bruid maken en het zou als een bruidsschat zijn, maar als een geschenk aan de vrouw. Een elandtand betekent dat ze leveranciers en goede jagers zijn en voor het gezin kunnen zorgen, omdat elke eland slechts twee ivoren tanden heeft. Om een complete jurk te hebben, heb je 500 elandentanden nodig om goed te zijn. Dus het hebben van de meeste elandentanden in de ivoren is net alsof je rijk bent, je bent rijk en je kunt voorzien. Mijn familie, we hebben er een van mijn betovergrootmoeder van eind 1800, en het zit vol met echte elandentanden, het is zo mooi.
De oorbellen zijn van een van onze collectieve kunstenaars, Alaynee Goodwill. Ze zijn Dakota Sioux en Lakota. En de witte schelpen die erop zitten zijn dentalium. Dentalium-schelpen zijn een echte schelp, maar het werd gebruikt als een vorm van handel voor handel in het noordwesten, en bewoog toen over de vlakte. Dus je zult het zien opduiken in oude foto's en we gebruiken het natuurlijk nog steeds. Nu is het omgetoverd tot modernere oorbellen.
Dan is het bloemenmotief op mijn paarse jurk eigenlijk hetzelfde motief als op mijn mocassins. Mijn mocassins zijn voor mij ontworpen door een Apsáalooke (Crow) kunstenaar, Nina Sanders. Ze deed onderzoek in het Smithsonian National Museum of American Indian en zag dat bloemmotieven met een kleine aardbei erop zou verschijnen in de museumcollecties, oude foto's en op regalia verbonden met Yellowtail Dames. En ze zei dat ze begon te dromen over aardbeien en ze zei: "Ik wist gewoon dat ik dit voor je mocassins moest ontwerpen."
Het is gewoon iets waar ik mijn hele leven mee ben opgegroeid. Mijn moeder was grafisch ontwerper. Ze werkte voor MCA Records en maakte albumhoezen voor een aantal echt geweldige bands uit de jaren '70. Mijn grootmoeder was een schilder, dus kunst was vanaf de geboorte een onderdeel van het leven. Maar het was echt toen ik begon te dansen op pow wows [dat ik geïnteresseerd raakte in het zijn van een ontwerper]. De eerste die ik bijwoonde was in het reservaat van mijn grootmoeder, het Fort Hall Indian Reservation in Idaho.
De eerste keer dat ik danste, was ik in straatkleding, maar ik had de mooie outfits van iedereen gezien en wist dat ik dat wilde doen. Het vereist veel werk - kralenwerk, naaien; alles wordt door uzelf en uw gezin gemaakt. Dus dat is eigenlijk waar het begon, dus ik kon in de pow wow-cirkel stappen en dansen. Sindsdien heb ik min of meer naald en draad in mijn hand.
Ik spreek niet voor mijn stam. Wie ben ik om die verantwoordelijkheid te dragen? Er is een hele stam mensen. Ik ontwerp niets superspecifieks, omdat het van veel mensen is. Ik kan gewoon niet eigenaar worden van die tradities. Het is altijd een knipoog naar dit specifieke ontwerpelement van mijn stam en daarom kies ik ervoor om mijn mensen te eren in mijn modewerk.
Ik draag een jurk die is gebaseerd op een traditioneel silhouet, ze worden vleugeljurken genoemd. Het is een heel eenvoudige snit, maar heel specifiek van stam tot stam. Ik hou gewoon van kleur, ik hou van verschillende texturen, verschillende stoffen, en zo heb ik die jurk gemaakt, net als een knipoog naar een traditionele jurk. De mocassins heb ik gemaakt toen ik begin twintig was en zijn allemaal volledig met kralen. Ik draag antieke manchetten, en ik houd een waaier van een kale adelaarsstaart vast. Mijn neef [rechts afgebeeld] draagt een couture-item gebaseerd op mijn herfstprêt-à-portercollectie [voor mijn gelijknamige merk].
Er is een verhaal, specifiek als een inheemse persoon, dat je [het reservaat] moet verlaten om je doelen te bereiken. Ik vind de meest verbazingwekkende prestatie voor mezelf dat ik alles kan doen wat ik hier thuis doe, op mijn reservering. Mijn kinderen zien dat. Ik ben hier om ja te zeggen, verdomme, ja dat kan. Je kunt alles doen wat je wilt. Zolang je hart er is, en je geest er is, en ik voel gewoon dat ik niets beters zou kunnen vragen voor om mijn kinderen hier op te voeden en ze te laten inzien dat ze hier niet weg hoeven om succesvol te zijn.
Ik ben A Tlingit, Filipina en Kanien'kehá: een vrouw geboren in de Raven-groep, Copper River Clan, House of the Owl. Mijn Tlingit-naam is Keixé Yaxtí, wat Morgenster betekent. Ik had het geluk een moeder en grootouders te hebben die traditionele kennisdragers waren. Ik bracht een deel van mijn jeugd met hen door in de diepe archieven van musea waar ze artefacten zouden identificeren. Binnen deze diepe archieven verwonderde ik me over het vakmanschap van Northwest Coast Artists. Het kralenwerk, het weven en de symmetrie in Vormlijn artiesten waren ongelooflijk.
Onze kunstenaars waren zo innovatief - ze vonden altijd manieren om nieuwe vormen en textiel te vormen en ermee te werken, waaronder hout, berggeitenwol, dierenhuid, zilver, goud, schelp en been. Als iemand die mijn hele leven met geestelijke gezondheid heeft geworsteld, begon ik kunst en design te beoefenen als een manier om proberen de veerkrachtige componenten van onze cultuur te vertalen: liefde, mededogen, clanrelaties, matrilineaire stroom. Het is nederig om een tastbare vertaling te maken van concepten die soms ongrijpbaar zijn.
Covid had een impact op mijn gezin in 2020. Tijdens de opvangmandaten was mijn man enkele maanden niet in staat om in zijn tandartspraktijk te werken. Ik was nog bezig met mijn Master of Public Health en werkte ook parttime voor een non-profit. Onze financiën waren de stimulerende behoefte achter het duiken in het ontwerpen van sieraden. Mijn dorp en stam voerden beschermende bevelen uit omdat de positieve gevallen van Covid afkomstig waren van mensen die van buitenaf naar Yakutat reisden. We gingen in 2020 niet terug naar huis om onze dierbaren te beschermen en ik miste mijn familie en het land enorm.
Onze wereld heeft compassie en begrip nodig, en empathische communicatie door middel van culturele kunst kan daarbij helpen. Kunst en design zijn tastbare uitingen van emotie en cultuur en kunnen belangrijke sociale en mondiale thema's zoals klimaatverandering, vermiste en vermoorde inheemse vrouwen en meisjes, tweegeestige mensen [a spreektaal term voor LGBTQ-identificerende mensen]. In sommige opzichten heeft de pandemie een schaarstecomplex versterkt - veel mensen hebben op zoveel manieren pijn. Ik heb gezien en ervaren dat gekleurde gemeenschappen reageren met zijdelings geweld. Tijdens de counseling met een vertrouwde ouderling en kunstenaar, Robert Davidson, geloof ik dat een deel van dit geweld voortkomt uit een plaats van diepe intergenerationele pijn. Ik heb gemerkt dat ik dit jaar door een rouwproces ging om diepe interne pijn los te laten, dus dat ik probeer onze cultuur naar voren te roepen en te creëren vanuit een opzettelijke plaats van transformatie verwantschap. Als we kunnen putten uit de kracht en veerkracht van onze voorouders en de transformatieve verwantschap kruisen, kunnen we zijn inheems futurisme.
Het is niet ongebruikelijk dat niet-inheemse klanten zich zorgen maken over toe-eigening bij de aankoop van inheemse kunst. Als een inheemse kunstenaar creëert met culturele kennis, zal hij over het algemeen geen ceremoniële voorwerpen verkopen aan niet-inheemse mensen. We raden aan om rechtstreeks bij inheemse artiesten en bedrijven te kopen. Onze vrienden bij Achtste Generatie hebben een uitdrukking bedacht die we vaak gebruiken: "Koop bij Inspired Natives - niet bij native-geïnspireerde merken."
Deze foto's tonen prototypes die ik heb ontworpen tijdens mijn reflectieve reis. De turquoise manen waren een samenwerkingsproject van mijn ontwerp en met de hulp van een mentor maakte hun vriendin Mary Jane Garcia de oorbel. Mary Jane is Diné, Tl'og'i (Zia People) en Kinyaa'áanii (Towering House People) Clan. Het was een project gebaseerd op genezing en verwantschap. De foto met de trommel communiceert mijn relatie met mijn overleden grootvader. Ik heb zijn trommel geërfd en de oorbellen die ik heb ontworpen [voor mijn merk Moonture] vertellen het verhaal van het noorderlicht. Mijn grootvader leerde ons dat het noorderlicht de geest is van mensen die zelfmoord hebben gepleegd. Binnen de kleuren van het noorderlicht zie je spirituele beweging, en de groene kleur is het mos dat erop is gegroeid. Het maken van dit ontwerp was een manier om mijn geestelijke gezondheidsreis dit jaar uit te drukken en dat te onthouden we hebben je hier nodig.
Het voortbestaan van inheemse kunst is als een feniks geweest en ik geloof dat de toekomst van inheemse mode zal blijven groeien als ons collectieve brandende hart waar blijft. Het is ongelooflijk om te bedenken wat de inheemse bevolking de afgelopen eeuwen heeft meegemaakt: genocide, slavernij, verkrachting, segregatie, racisme, discriminatie - maar we hebben het niet alleen overleefd - maar veel van onze kunst is gezond. Ik hoop te creëren vanuit die bloeiende plek en droom van het ontwerpen van een kledinglijn op de kruising van de Tlingit-cultuur en duurzaam materiaal. Ik leer mezelf langzaam het ontwerp en het ambacht van erfstukken en fijne sieraden aan met behulp van materialen zoals Alaska Jade en Walrus Ivory geschonken aan mij door de familie Apangalook en mijn man en ik leren onder het mentorschap van Anna Sheffield. Deze doelen komen terug op mijn hoop om bij te dragen aan cultureel medeleven en begrip, en empathische communicatie door middel van transformatieve kunst.