"Vårt folk er de første amerikanske designerne," sa designeren Bethany Yellowtail. Hun snakker til meg på Zoom fra hjemmet sitt i Los Angeles, hvor hun har jobbet det siste året. Bethany er medlem av Northern Cheyenne Nation og ble oppvokst i Crow Indian Reservation i Montana. Som mange innfødte designere inspirerte oppveksten rundt den vakre regalien i stammen hennes reisen til motedesign.
I mars 2020, da koronaviruset rammet USA, ble hun tvunget til ikke bare å stenge kontoret i LA som hun hadde jobbet i årevis for å åpne, men å bytte forretningsstrategi helt. Ettersom mange fabrikker i byen dreide seg om å lage PPE, bestemte hun seg for å samarbeide med dem for å sørge for innfødte mennesker over hele landet som var blant de hardest rammet av koronaviruset. I løpet av året laget hun over 100 000 masker med sin stammesymbol, morgenstjernen. Det var en kilde til stolthet i en ødeleggende tid for henne og samfunnet hennes.
I følge VergenAnslagsvis én av hver 475 indianere døde av Covid-19 mellom mars 2020 og januar 2021, noe som er mer enn dobbelt så mange hvite amerikanere. Mens mange urfolk kom sammen for å hjelpe hverandre med ressurser og bistand, var de ødeleggende effektene betydelige: Familier ble etterlatt uten sine nærmeste, inkludert mange av deres eldste og lærere som hjelper til med å formidle kulturen sin generasjoner.
Innenfor denne utenkelige tragedien kom imidlertid et lite tegn på fremgang. Black Lives Matter -bevegelsen sommeren 2020 bidro til å bringe søkelyset til ulikheten urfolk også har møtt i århundrer. Den ulikheten - fra begrenset tilgang til helsetjenester til fattigdom skapt av føderal feilbehandling av urfolk -skapte et miljø der Covid-19 uforholdsmessig påvirket lokalsamfunnene sine.
Da talsmenn for bevegelsen for rasemessig likestilling begynte å lære om rikdommen til innfødte kulturer, de kanaliserte deres støtte gjennom investeringer i urfolkselskaper, inkludert urfolkseid mote merker. For designere som Betania har denne oppmerksomheten vært en måte å gjenvinne deler av kulturen hennes som så ofte har blitt tilegnet - tenk "Native-inspirerte" trykk på T-skjorter - og fortelle historien om hennes folk og hvem de er i dag gjennom kunsten hennes.
På samme tid fortsetter å lage klær som hyller tradisjonen og bruker teknikker som er nedfelt eldste er et middel for å beskytte kulturen som er i fare for å gå tapt med de overveldende dødsfallene i Native lokalsamfunn.
I forkant snakket vi med tre designere om hvordan det siste året har vært for dem, og hvordan de bruker mote til bevare, feire og dele kulturen sin - på egne premisser - med sine lokalsamfunn og med resten av verden.
Jeg vokste opp på Crow Indian Reservation, som ligger i sørøstlige Montana. Jeg kommer fra et veldig rikt, levende samfunn som er fullt av teksturer og vakre farger. Det var normalt å se slektninger lage ting på kjøkkenbordene. Et av mine tidligste minner om å lage mine egne regalier er da min tante tok med materiale til huset vårt og hun satt sammen med meg og søsteren min på gulvet og vi lærte å frynse sjal. Da jeg kom på slutten av ungdomsskolen, videregående, så læreren min hjemme-ec at jeg kunne sy veldig bra, hun fortalte meg at jeg kunne ha en karriere innen mote.
Vi ser ikke innfødte mennesker på mote, og for første gang innså jeg at samfunnet mitt kunne være representert. Jeg flyttet til Los Angeles og gikk til FIDM hvor jeg lærte nøttene og boltene ved å lage plagg. Men det var også der jeg så samlinger som tok estetikk av innfødt identitet og kultur. På den tiden hadde jeg ikke språket til å snakke for meg selv da jeg så denne typen bevilgning. Men da jeg dro hjem, så jeg den drastiske ulikheten på reservasjonen min, og noe passet bare ikke. Så ved hjelp av min far - som solgte utstyret til storfeet for å hjelpe meg med å få lån - startet jeg virksomheten min, b. Yellowtail, selger designene mine så vel som [design] av andre innfødte.
Det traff vår stamme veldig, veldig hardt og ødela samfunnet vårt. Crow og Northern Cheyenne, vi mistet mange mennesker. Bestemoren min lå på sykehuset i åtte uker, og hun er fremdeles frisk.
Men jeg er den typen person der jeg ikke bare kan sitte og se det skje. Heldigvis har vi et fantastisk forhold til en produsent her i Los Angeles, og når ting stengte, konverterte han til å lage PPE. Vi gjorde akkurat våre moteevner til å lage masker, og heldigvis klarte vi å få stoff donert fra Patagonia og Nike. Jeg tror bare for Navajo -nasjonen [ga vi bort] 60 000 klutmasker. I mitt stammesamfunn har vi støttet omtrent 50 000.
Jeg hadde også tenkt å få ut en samling i vår. Da Covid rammet, stoppet vi alt. Heldigvis var vi i stand til å skifte, og så i fjor høst, i november, kom samlingen ut, og den var best mottatt av alle samlingene mine. Og det var også en samling vi opprettet i samarbeid med samfunnet vårt. Vi har en utstilling på Field Museum i Chicago kalt Apsáalooke Women and Warriors. Og den forteller en historie om menneskene våre fra vår skapelseshistorie til der vi er nå.
Den grønne kjolen har vår signaturtekstil. Det ser ut som prikker, men det er faktisk et motiv av en elgtann. Elgs tenner er virkelig viktige kulturelt for stammer i Northern Plains stammeområde, spesielt Crow og Cheyenne og Lakota. Elgtenner var tradisjonelt et tegn på rikdom, og i gamle dager, før reservasjonstiden, ble elgtenner sydd på brudekjoler. Den mannlige brudgommen ville lage det, familien hans ville lage det til bruden, og det ville være som en medgift, men som en gave til kona. En elgtann betyr at de er leverandører og gode jegere og kan forsørge familien fordi hver elg bare har to elfenbenstenner på den. For å ha en komplett kjole trenger du 500 elgtenner for å være skikkelig. Så å ha flest elgtenner i elfenbenet er akkurat som om du er rik, du er velstående og kan gi. Familien min, vi har en fra min oldemor fra slutten av 1800, og den er full av ekte elgtenner, den er så vakker.
Ørepyntene er fra en av våre kollektive artister, Alaynee Goodwill. Hun er Dakota Sioux og Lakota. Og de hvite skjellene som er på er dentalium. Dentalium -skall er et faktisk skall, men det ble brukt som en form for handel for handel i Nordvest, og så beveget det seg over sletten. Så du vil se det dukke opp på gamle bilder, og vi bruker det åpenbart fortsatt. Nå er det forvandlet til mer moderne øredobber.
Da er blomstermotivet på min lilla kjole faktisk det samme motivet som på mine mocassiner. Mokasinene mine ble designet for meg av en Apsáalooke (Crow) artist, Nina Sanders. Hun forsket på Smithsonian National Museum of American Indian og så at blomsterdesign med en lite jordbær på dem ville dukke opp i museets samlinger, gamle bilder og på regalier knyttet til Yellowtail kvinner. Og hun sa at hun begynte å drømme om jordbær, og hun sa: "Jeg visste bare at jeg trengte å designe dette for mocassinene dine."
Det har bare vært noe jeg har vokst opp i hele mitt liv. Moren min var grafisk designer. Hun jobbet for MCA Records og laget albumomslag for noen virkelig fantastiske band fra 70 -tallet. Min bestemor var en maler, så kunst var bare en del av livet siden fødselen. Men det var virkelig da jeg begynte å danse på pow wows [at jeg ble interessert i å være designer]. Den første jeg deltok på var hos min bestemor, Fort Hall Indian Reservation i Idaho.
Første gang jeg danset var jeg i gateklær, men jeg hadde sett alles vakre antrekk og visste at det var det jeg ville gjøre. Det krever mye arbeid - perlearbeid, sying; alt er laget av deg selv og din familie. Så det var i utgangspunktet der det begynte, så jeg kunne komme meg ut i pow wow -sirkelen og danse. Jeg har stort sett hatt en nål og tråd i hånden siden.
Jeg snakker ikke for min stamme. Hvem er jeg som skal ha det ansvaret? Det er en hel stamme av mennesker. Jeg designer ikke noe superspesifikt, fordi det tilhører mange mennesker. Jeg kan bare ikke ta eierskap til disse tradisjonene. Det er alltid et nikk til dette spesifikke designelementet i min stamme, og det er slik jeg velger å hedre mitt folk i mitt motearbeid.
Jeg har på meg en kjole som er basert på en tradisjonell silhuett, de kalles vingekjoler. Det er en veldig enkel kutt, men veldig spesifikk stamme til stamme. Jeg bare elsker farger, jeg elsker forskjellige teksturer, forskjellige stoffer, og det var slik jeg skapte den kjolen, akkurat som en nikk til en tradisjonell kjole. Mokasinene jeg laget i begynnelsen av tjueårene og er alle fullstendig perlete. Jeg har på meg antikke mansjetter, og jeg holder en skallet ørnehale vifte. Fetteren min [bildet til høyre] har på seg et couture-stykke basert på høstklær-kolleksjonen [for mitt navn med samme navn].
Det er denne fortellingen, spesielt som en innfødt person, som du må forlate [reservasjonen] for å nå dine mål. Jeg synes den mest fantastiske prestasjonen for meg selv er at jeg kan gjøre alt jeg gjør her hjemme, på min reservasjon. Barna mine ser det. Jeg er her for å si ja, for helvete, ja det kan du. Du kan gjøre hva du vil. Så lenge hjertet ditt er der, og tankene dine er der, og jeg bare føler at jeg ikke kunne be om noe bedre for meg for å kunne oppdra barna mine her, og få dem til å se at de ikke trenger å gå herfra for å lykkes.
Jeg er en Tlingit, filippinsk og Kanien'kehá: en kvinne født i Ravn -gruppen, Copper River Clan, House of the Owl. Mitt Tlingit -navn er Keixé Yaxtí, som betyr Morning Star. Jeg var så heldig å ha en mor og besteforeldre som var tradisjonelle kunnskapsbærere. Jeg tilbrakte en del av barndommen med dem i museenes dype arkiver der de ville identifisere gjenstander. I disse dype arkivene undret jeg meg over håndverket til nordvestkystartister. Perleverket, vevingen og symmetrien i Formline kunstnerne var utrolig.
Kunstnerne våre var så innovative - de fant alltid måter å forme og jobbe med nye former og tekstiler, inkludert tre, fjellgeiteull, dyrehud, sølv, gull, skall og bein. Som noen som har slitt med psykisk helse gjennom hele livet, begynte jeg å praktisere kunst og design som en måte å gjøre det på prøver å oversette de elastiske komponentene i vår kultur: kjærlighet, medfølelse, klanforhold, matrilineal makt. Det er ydmykende å lage en håndgripelig oversettelse av begreper som noen ganger er immaterielle.
Covid påvirket familien min i 2020. Under mandatene for husly kunne mannen min ikke arbeide i tannlegen i flere måneder. Jeg jobbet fremdeles på Masters of Public Health mens jeg også jobbet deltid for en ideell organisasjon. Økonomien vår var det galvaniserende behovet bak å dykke ned i smykkedesign. Min landsby og min stamme implementerte beskyttelsesordre fordi de positive tilfellene av Covid var av folk som reiste til Yakutat utenfra. Vi dro ikke hjem i 2020 for å beskytte våre nærmeste, og jeg savnet familien min og landet desperat.
Verden vår trenger medfølelse og forståelse, og empatisk kommunikasjon gjennom kulturell kunst kan hjelpe med det. Kunst og design er håndgripelige uttrykk for følelser og kultur, og de kan oversette viktige sosiale og globale temaer som klimaendringer, savnet og drept urfolk og jenter, toåndsmennesker [a dagligdags betegnelse for LHBTQ-identifiserende mennesker]. På noen måter har pandemien forsterket et knapphetskompleks - mange mennesker skader på så mange måter. Jeg har vært vitne til og opplevd fargesamfunn reagere med lateral vold. I rådgivning med en pålitelig eldste og kunstner, Robert Davidson, tror jeg at noe av denne volden kommer fra et sted med dype generasjoner mellom gener. Jeg har funnet meg selv gjennom en sorgprosess i år for å slippe dype indre smerter at jeg prøver å kalle kulturen vår fremover og skape fra et bevisst sted for transformasjon slektskap. Hvis vi kan trekke fra våre forfedres styrke og motstandskraft og krysse med transformativt slektskap, kan vi være urfolks futurisme.
Det er ikke uvanlig å ha ikke-innfødte kunder bekymret for bevilgning når de kjøper innfødt kunst. Generelt, hvis en urbefolkning skaper med kulturell kunnskap, vil de ikke selge seremonielle gjenstander til ikke-urfolk. Vi anbefaler å kjøpe direkte fra urfolk og kunstnere. Våre venner kl Åttende generasjon har laget en setning vi ofte bruker: "Kjøp fra Inspired Natives-ikke fra innfødte inspirerte merker."
Disse bildene viser prototyper jeg har designet i løpet av min reflekterende reise. De turkise månene var et samarbeidsprosjekt av mitt design, og med hjelp av en mentor laget deres venn Mary Jane Garcia øredobben. Mary Jane er Diné, Tl'og'i (Zia People) og Kinyaa'áanii (Towering House People) Clan. Det var et prosjekt basert på helbredelse og slektskap. Bildet med trommelen kommuniserer mitt forhold til min avdøde bestefar. Jeg arvet trommelen hans, og øredobber jeg designet [for merkevaren min, Moonture] forteller historien om nordlyset. Min bestefar lærte oss at nordlyset er ånder til mennesker som har tatt sitt eget liv. Innenfor nordlysets farger ser du åndelig bevegelse, og den grønne fargen er mosen som har vokst på dem. Å lage dette designet var en måte å uttrykke min mentale helse reise i år og huske det vi trenger deg her.
Overlevelsen til urfolks kunst har vært som en Phoenix, og jeg tror at fremtiden for urfolks mote vil fortsette å øke hvis våre kollektive brennende hjerter forblir sanne. Det er utrolig å tenke på alt urfolk har gjennomgått de siste århundrene: folkemord, slaveri, voldtekt, segregering, rasisme, diskriminering - men vi har ikke bare overlevd - men mye av vår kunst er blomstrende. Jeg håper å skape fra det blomstrende stedet og drømme om å designe en kleslinje i krysset mellom Tlingit -kultur og bærekraftig materiale. Jeg lærer meg sakte design og håndverk av arvestykker og fine smykker ved å bruke materialer som Alaska Jade og Walrus Ivory begavet meg av Apangalook -familien, og mannen min og jeg lærer under veiledning av Anna Sheffield. Disse målene kommer tilbake til mitt håp om å bidra til kulturell medfølelse og forståelse, og empatisk kommunikasjon gjennom transformativ kunst.