Historia mody zapomniała o czarnych kobietach, które wymyśliły streetwear

Ponieważ świat pozostaje w środku, aby pozostać tak bezpiecznym i zdrowym, jak to tylko możliwe, trendy w modzie w dużej mierze zmieniły się z aspiracyjnych na funkcjonalne i, co najważniejsze, wygodne. To tutaj błyszczy współczesna odzież uliczna. Z Wygodne dresy Melody Ehsani do Bephie Afrocentryczne koszulki z grafiką, jak mówi przyczynowa sylwetka każdej firmy, może nie jestem „ubrana” na to spotkanie Zoom, ale zabijam to na mojej kanapie. I chociaż rosnąca fala swobody w modzie może być czymś nowym, streetwear nie ma w kulturze czarnych korzeni.

W rzeczywistości, pod koniec lat 80. i na początku lat 90., kiedy ten gatunek mody narodził się na ulicach dzielnic Black i Brown, nazywano go po prostu „miejskim” strojem noszonym przez dziewczyny-latki. Ale teraz, ponieważ ich style są naśladowane wszędzie, od wybiegów mody i błyszczących magazynów takich jak ten, czas ponownie przyjrzeć się historii stylu i upewnić się, że przyznano im uznanie gdzie należne. „Musimy naprawdę celowo i proaktywnie mówić prawdę, aby historia nie była pisana w inny sposób”, mówi April Walker, innowatorka całkowicie denimowego wyglądu, której linię Walker Wear nosili Method Man, Notorious B.I.G., Tupac i jeszcze.

Przed nią dołącza do pięciu innych czarnych kobiet, które odegrały kluczową rolę we wczesnych dniach urbanizacji Wschodniego Wybrzeża nosić, układając stroje, które prawdopodobnie zawsze traktowałeś jako kanon popkultury, nie wiedząc tak naprawdę Czemu. Znasz ich fasony — prawdopodobnie nadal nosisz niektóre z nich do dziś. Teraz czas poznać ich imiona.

Misa Hylton jest architektem obrazu stojącym za niektórymi z najbardziej znanych wykonawców R&B i hip-hopu, takich jak Mary J. Blige, Jodeci i Lil' Kim. Jako ówczesna dziewczyna Puffy'ego na początku lat 90. i stylistka wielu artystów z Uptown i Bad Boy, uwolniła sutek, zanim jeszcze pojawił się Instagram. wynaleziona, gdy zaprojektowała fioletowe spodnie Lil' Kim na MTV Video Music Awards 1999 (znasz to) i stworzyła pasujący monochromatyczny włosy i stroje dla Wideo „Crush On You”. Stworzyła Mary J. Blige'a „Nie będzie płakać” styl wideo, z czarną szminką, masywnymi okularami przeciwsłonecznymi, chustą w stylu Jackie O. i złotymi, kręconymi kolczykami.

W 2001 roku ona i Przecierające szlaki atelier w Harlemie Dapper Dan, która wymyśliła logomania, stworzyła jedyny w swoim rodzaju płaszcz bąbelkowy i uzupełniającą odzież wierzchnią dla Puffy, G-Dep i Black Rob w Film „Let's Get It”. Po różnych modowych awanturach (Fendi pozwała Dappera Dana za używanie jego logo bez pozwolenia; Gucci wysłał własną wersję kreacji Dapper Dana na wybieg bez angażowania go w jego tworzenie), Dapper Dan zajmuje teraz szanowaną pozycję – na swoich warunkach – w kreatywnym partnerstwie z Gucci, podczas gdy Hylton jest Globalnym Partnerem Kreatywnym w MCM, kolejnej wytwórni logo-maniakalnej. Jej rola pozwoliła jej stworzyć strój MCM „Apeshit” Beyonce dla stylistki Zerina Akers, podkreślając luksus w codziennym afroamerykańskim stylu.

Inspiracja pochodziła z Wiz w Szmaragdowym Mieście jest też specyficzna scena, w której szafa zmienia się z czerwonej na żółtą, zieloną i niebieską. Reżyserem był Lance „Un” Rivera, który chciał odtworzyć hip-hopową wersję tej sceny. Chciałem przenieść to na wyższy poziom i nie tylko zmienić ubrania dla Kim, ale pomyślałem, że zmiana włosów i stworzenie monochromatycznego wyglądu od stóp do głów będzie ogniem – i tak było. Dionne Alexander, inny niesamowity kreatywny [stylista włosów] od razu dostał moją wizję. W tamtym czasie ludzie nie nosili włosów pasujących do ubrania, więc poszedłem do sklepu na Halloween w pobliżu 14th Street [na Manhattanie], kupiłem peruki, a Dionne ożywił je. To była ona, wizażystka Nzingha Gumbs a ja i siadaliśmy razem i decydowaliśmy o ogólnym stylu. Byliśmy wymarzonym zespołem.

Zainspirowała mnie rozmowa z Missy Elliott. Siedzieliśmy w jej domu, słuchając muzyki i rozmawiając o modzie, a ona powiedziała: „Kim to zła suka. Gdybym była Kim, miałabym tylko jeden cyc; Kim mogłaby zrobić takie gówno. A ja na to: „Hm, to bardzo interesujące!”. Zachowałem ten pomysł w mojej głowie i następnym wielkim wydarzeniem, które mieliśmy, było 1999 MTV Video Music Awards, i ożywiłem go, używając indyjskiego materiału ślubnego do wykonania jednoczęściowego kombinezonu na jedno ramię; Chciałam, aby była naprawdę dziewczęca i piękna, aby zrekompensować fakt, że jej pierś była na zewnątrz. Dionne Alexander zrobiła fryzurę, a Nzingha Gumbs zrobiła makijaż. [Kiedy Diana Ross obróciła piersi Kim na scenie] Stałem tam jak „O mój Boże”, ponieważ pasta został nałożony klejem do rzęs, więc pomyślałam: „Proszę, proszę, proszę!”. Ale byłem tak szczęśliwy, że został na!

Dla Mary J. Zachowaj skręcone kolczyki w teledysku do „Not Gon' Cry”, to była walka. Powiedziano mi, że to „rozprasza”, ale to dlatego, że była to moda Blacków. Ale spytali, czy „mógłbym włożyć jej coś mniejszego do ucha” i byli nieugięci. Ale pomyślałem: „Nie, w porządku” i po raz trzeci powiedziałem: „Jeśli będę musiał powiedzieć Mary, to będzie problem. Nie zdejmuje kolczyków i wiemy, o co chodzi. To nie rozprasza, nie chcesz, żeby wyglądała tak, jaka jest, i to właśnie sprawia, że ​​jest autentyczna i przemawia do niej Fani.' Kiedy wyszedł teledysk, tak wiele kobiet podeszło do mnie i rozmawiało o kolczykach io tym, jak było tak gorąco, że nosiła je w swojej muzyce wideo.

Jeśli nosiłeś stroje ze skóry lub Buty Timberland które nie były barwione pszenicą pod koniec lat 90., częściowo dzięki Sybil Pennix. Jako asystent Puffy'ego, gdy był kierownikiem działu A&R w nieistniejącej już wytwórni Uptown Records, Pennix został pierwszym wewnętrznym stylistą takich zespołów jak Heavy D, Mary J. Blige, Jodeci i nie tylko, zanim „własny stylista” był naprawdę rzeczą. Szef z Uptown, Andre Harrell, wysłał ją, by kupiła ubrania dla Blige, jakby „robiła zakupy dla twojej siostry”, i tak narodziła się rola. „Dorastałem na Środkowym Zachodzie, a moja inspiracja pochodziła od czarnoskórych i biednych białych ludzi” – mówi Pennix. „Pomieszałem te spojrzenia i to właśnie dałem Mary J. Blige.” Następnie, kiedy Puffy założył Bad Boy Records w 1993 roku reklamując Notorious B.I.G., a później Total (ten ostatni, którym zarządzała), Sybil pracowała tam, pozostając w Uptown, stylizując oba składy. Później stylizowała wcześnie Źródło oraz XXL okładki magazynów, ubiera artystów w luksusową i wszechstronną modę ze szczególnym talentem do przyniesienia czegoś, „czego nigdy wcześniej nie widzieli”.

Na początku wielkie domy mody nie pozwalały nam wyciągać próbek ze swoich sklepów czy salonów, ale namawiałam się do wielu domów. Byłem z Supreme i Triple 5 Soul, wszyscy wymyśliliśmy razem i zmieszałem to z Gucci i Prady. Kiedyś chodziłem do Prady i ściągałem ubrania, zanim pozwolili to robić komukolwiek innemu, ale wywodziłem się z inżynieryjnego i biznesowego środowiska, więc przeniosłem to rozumowanie do marek i zadziałało.

Zanim przyjechałem, Misa i Puffy zrobili pierwszy album Jodeci i założyli im buty motocyklowe. Pewnego dnia, ponieważ Puffy nie chciała ani nie wiedziała, jak stylizować kobietę, Andre poprosił mnie, żebym „poszła na zakupy dla twojej siostry”, ale dla Mary. Zacząłem kupować jej designerskie buty, o których nigdy nie słyszeli, a Andre to uwielbiał. To przeze mnie Jodeci zaczęła nosić skórzane i Timberlandowe buty. Napisałem Timberland, ponieważ nie chcieli wysyłać nam butów do filmów; musieliśmy wszystko kupić. Powiedzieli, że ich rynek jest — nie powiedzieli biały, ale powiedzieli: „ludzie wędrujący po Kolorado”. I mieli rację, ale napisałem im uwaga, ponieważ stopy Biggie'ego były duże i powiedziałem im, że jeśli nosi te buty, będzie to ogromne dla ich marki i byłoby to eksplodować. Brooklyn i Harlem nie nosili pod spodem Timberlands jednak, a ja zawsze starałem się znaleźć coś innego.

Włożyłem Jodeci w skórę na pustyni do teledysku „I Cry For You”, walczyłem z tym z Puffy ząb i gwóźdź. Byli w czołówce z tym, jak czarnoskórzy artyści uwielbiają nosić futra, uwielbiali to i właściwie nie byli seksowni! Chcieli skóry, powiedzieli: „O mój Boże, to jest takie inne!”. Zdjęliśmy koszulki, żeby nie były tak gorące, co stało się dla nich świetnym wizerunkiem.

Każdy element współczesnej odzieży ulicznej czerpie z projektów, które Kiki zarysował jako rozkwitający projektant w FUBU i prawie każdej innej marce odzieży miejskiej od wczesnych lat 90. do dziś. Po szyciu sukni i sukienek imprezowych dla przyjaciół i rodziny w liceum, Peterson uczęszczał do nowojorskiej szkoły FIT, gdzie została zrekrutowana jako jedna z pierwszych projektantek w FUBU i asystentka Sybil Pennix w Uptown Dokumentacja. Wkrótce została dyrektorem kreatywnym FUBU Ladies, gdzie wcześniej umieszczała w marce takie supergwiazdy jak Janet Jackson odchodzi, aby założyć własną markę K.A. Kotki i niezależne projekty dla prawie każdej miejskiej marki, od Rocawear do Heatherette do Linia K-Mart Nicki Minaj i Dom Dereona Beyoncé. Teraz założyła markę odzieży turystycznej o nazwie K. Mile. W 2020 roku pojawiła się na Netflixie Dalej w modzie, wygląd, który oświetlił długo utrzymywany rasizm i kulturowe zawłaszczanie w modzie głównego nurtu. (projektant Pyer Moss Kerby Jean-Raymond, występujący jako sędzia, wyszedł, zamiast wysłać Kiki do domu podczas wyzwania streetwearowego — coś, o czym wiedział, że była na czele.)

Stylizowałem także w Uptown, asystując Sybil Pennix, kiedy byłem w FUBU. Stylizowałem Jodeci i T-Boza z TLC do „Love You For Life” i to był mój pierwszy zestaw wideo. To zmieniło moje życie. Styl Jodeci wprowadził mnie w nowy sposób rockowego gówna. Zawsze robiłem swoje własne gówno losowo i robiłem gówno, które czułem, że potrzebuję. Ale dali mi prawdziwą inspirację modową, która była na moim poziomie. Przed tym doświadczeniem miałem tylko Heban oraz Strumień magazynów i rozmawiali ze starszą publicznością, ale to było takie świeże, nowe, muchowe.

Współpracując z Sybil, pomogłem wystylizować okładkę pierwszego albumu Totala. To było fajne, bo uczę się w szkole technicznych rzeczy, ale pracując z FUBU uczę się rozwijać biznes. Następnie w Uptown uczę się, skąd pochodzi ten styl, ponieważ teledyski są tym, czego szukamy, by dowiedzieć się, co jest narkotykiem i jak rockować gówno. Chcemy kamuflażu, więc idziemy do sklepu z marynarką wojenną, nikt tego za nas nie robi, jak garnitur Carhartta to prawdziwy garnitur robotnika. Dowiedziałem się, czym jest streetwear i dokładnie tak brzmi, tak naprawdę noszą ludzie w społeczności. Widziałem narodziny tego wszystkiego, więc wraz z rozwojem FUBU wprowadziliśmy kamuflaż do naszej kolekcji. Nie możemy go dostać ze sklepu wojskowego i marynarki wojennej, robimy własny krój i szyjemy, więc wysłaliśmy projekt do fabryki, a oni poprosili o nasz nadruk. Byłem zaskoczony, że nie mieli kamuflażu, więc po prostu narysowałem dziwny kształt w kolorze kamuflażu i stał się nadrukiem kamuflażu FUBU. Właścicielom FUBU to się podobało, ale ja powiedziałem: „To jest do bani!”. To było takie zabawne.

Od razu błagałam o robienie kobiet, a właściciele FUBU zawsze mówili: „W przyszłym roku, Kik”, ale potem pozwolili mi zrobić małą, 10-częściową kolekcję kapsułek. Zrobiliśmy dżinsową kurtkę i spodnie z satyny, która była duża, a cała kolekcja wyprzedała się i wszyscy chcieli więcej. Właściciele FUBU nie mogli poradzić sobie z całą inną linią, więc licencjonowali FUBU Ladies Jordache'owi, a ja zostałem dyrektorem kreatywnym. To było biuro pełne kobiet i było super! Cały czas nosiliśmy wszystko, nasz merchandising był na miejscu, więc kupujący dokładnie wiedzieli, co kupić, ponieważ widzieli, jak to wstrząsaliśmy. To było zabawne, tętniące życiem biuro.

Dzisiejszy dżinsowy garnitur jest podstawą ze względu na talent April Walker do wysłuchiwania klientów i cudowną wszechobecność Mary J. Wideo Blige i Method Mana „Jesteś wszystkim, czego potrzebuję”. Walker mówi, że wizyta u Dappera Dana w jego sklepie w Harlemie w 1987 roku zainspirowała jej karierę modową. Wkrótce otworzyła swój własny sklep w swojej dzielnicy Clinton Hill na Brooklynie o nazwie Fashion In Effect, w którym sprzedawała dżinsy i T-shirty pasuje do jej klientów, którzy prosili między innymi o niższe krocze, głębsze kieszenie i spodnie na tyle szerokie, aby opadały na czubek buta roboczego rzeczy. Wszystkie te doświadczenia krawieckie doprowadziły do ​​powstania jej własnej linii mody o nazwie Walker Wear, jednej z pierwszych marki miejskie spoza wczesnych linii nowojorskich, takie jak szyty na miarę denim Karla Kaniego i ambasadorowie aerografu ten Koszula królów. Pochwaliła się fanami, w tym Method Manem, Notorious BIG, Tupacem i innymi. Ale jako jedna z pierwszych kobiet w miejskim ubiorze, Walker rozsądnie trzymała się nisko, aby uniknąć seksizmu w branży i to zadziałało. Ona i jej zespół działają jak Aaliyah i Naughty By Nature, a jej linia jest nadal zdobywać uwagę Dziś.

Zawsze byłem wielkim fanem odzieży roboczej, myślałem, że jest czysty i zawsze chciałem zrobić coś takiego, tak powstał Walker Wear. Zrobiliśmy pełny dżinsowy garnitur z kontrastowymi przeszyciami z naprawdę dużymi kieszeniami i spodniami, inspirowany potrzebami klientów i po prostu zapalił się lotem błyskawicy. Wszyscy zaczęli prosić o ten garnitur, a w tym czasie nie było internetu, więc wszystko było przekazywane z ust do ust. Ludzie tacy jak Biggie, Shyne, Audio Two, z którymi biegał Jay-Z, wszyscy to mieli. Brooklyn był duży, ale to była mała społeczność, jedna osoba powiedziała dwóm przyjaciołom ze sceny prostytutek i urośliśmy.

Pamiętam, jak 2Pac zabrał mnie na spotkanie z projektantką kostiumów do filmu i poznałem Berniego Maca. I to była wielka sprawa, ponieważ był nieugięty w zwiastunie garderoby, na przykład: „Chcę, żeby stylizowała cały film”. A oni powiedzieli: „Ona nie może zrobić całego filmu”, a on powiedział: „No cóż, chcę wszyscy czarni projektanci”, więc to było ogromne.

Jednym z wielkich momentów dla mnie był teledysk Met i Mary do „You're All I Need”. Zadzwonili i zanieśliśmy im jakiś produkt, a mój marketingowiec powiedział, że jest śmiesznie długo linia ludzi czekających na miejsce produktu w filmie, a ona nie czekała i podeszła do przodu. Zaprosili ją do środka i po prostu zabrali ubrania. Nie wiedziała, czy włoży coś, czy nie, ale okazało się, że ma na sobie dżinsowy garnitur. To był naprawdę wielki moment, ponieważ ostatecznie wygrali Grammy, piosenka stała się hymnem, a reszta to już historia.

Na początku lat 90. Magic [targi mody] miały sekcję zwaną „streetwear” i było to skrzyżowanie Jnco i Mossimo z niektórymi miejskimi markami. Potem „urban”, co jest dla mnie słowem kodowym dla Blacka, rozrosło się, a około 2000 roku zaczęliśmy widzieć marki – nawet Supreme, która zaczynała jako marka skaterska i surfingowa — zacznij celowo rozszerzać swoją bazę, aby to zaspokoić rynek. Moda miejska i streetwear to to samo cholerstwo, po prostu rozszerzyło narrację globalnie i próbowało przeformułować i usunąć pierwotny punkt wyjścia, od którego to się zaczęło.

Chociaż rozpoczęła karierę w bankowości inwestycyjnej, June Ambrose porzuciła finanse, aby dołączyć do eksplozji wczesnego miejskiego zużycia jako marketing dyrektor w Cross Colours, luźnej, jaskrawo zabarwionej linii odzieży z lat 90., która głosiła różnorodność i włączenie, zanim zaczęli zatrudniać modne słowa. Dzięki swojemu ekstrawaganckiemu stylowi i wyobraźni stworzyła niepowtarzalne spojrzenia, jak gigantyczna czerń Missy Elliott nadmuchiwany garnitur w „Deszczu” oraz błyszczące kostiumy Puffy'ego i Ma$e w „Mo Money, Mo Problems” Notorious B.I.G. filmy. Później zachęcała Jay-Z do „zmiany ubrań” i noszenia garniturów oraz pełniła funkcję dyrektora kreatywnego współpracy Missy z Adidasem.

Kiedy pracowałem z Cross Colours, był to czas, kiedy hip-hop stawał się mniej czarno-biały, a bardziej kolorowy i animowany. To był czas, kiedy hip-hop przenosił się w bardziej popową przestrzeń i pojawiła się okazja do przejścia miejskich marek. Dołączyłem do Cross Colors jako ich dyrektor ds. marketingu i poprzez nasze pokazy mody [gdzie obsadziłem supermodelkę Tyson Beckford w swoim pierwszym pokazie], kampanie reklamowe, lokowanie produktu i aktywacje kreatywne, stworzyliśmy miejskiego Tommy Hilfiger. Moja praca z Cross Colours w tamtym czasie pomogła zilustrować ewolucję hip-hopu w opowiadaniu historii, dźwięku i obrazie.

Uwielbiałem widzieć wpływ, jaki teledyski lub skandaliczne momenty na czerwonym dywanie wywarły na handel detaliczny i codzienny styl ludzi. Podobało mi się, jak konsumenci przychodzili do sklepów, aby poprosić o styl, który stworzyłem; młodzi mężczyźni na ulicy ubierali się inaczej, gdy zobaczyli spojrzenie Jaya lub Puffa. Obrazy, które stworzyłem, wpłynęły na nowe interpretacje streetwearu; niektóre z moich ulubionych momentów to momenty, w których odzież sportowa i miejska nabrały bardziej wyrafinowanej wrażliwości.

Powiedziałbym, że moją największą lekcją jest to, że porównanie to największa kreatywna radość z zabijania. Kiedy nadchodziłem, nie było Instagrama; Wyciągnęliśmy referencje z bibliotek, czasopism i własnej wyobraźni! Porównanie to nie tylko odwrócenie uwagi, ale także zatrzymanie Cię na ścieżce. Powinieneś znaleźć przestrzeń, która wydaje się najbardziej organiczna i autentyczna dla Twojego kreatywnego ducha.

Bevy Smith prawdopodobnie była dziewczyną-latką od urodzenia, a ta urodzona i wychowana Harlemitka jest frajerem, który uczy luksusowe marki potęgi Czarnego Dolara. Wniosła swój talent do kariery wydawniczej, gdzie była dyrektorem ds. reklamy modowej w KLIMAT magazyn i jest uznawany za zachęcanie europejskich domów mody do reklamowania się wśród czarnoskórych i brązowych konsumentów oraz rozpoznać wartość miejskiego stylu i miejskiego ubioru, który został przemianowany na streetwear, w dużej mierze do Bevy's zmartwienie. Teraz Smith prowadzi „Bevelations” w radiu Sirius po przejściu na Strona szósta TV i Bravo Królowe mody, i właśnie wydała swoją książkę, Bevelations: Lekcje od Muthy, Cioci, Bestie.

Zaczęłam rozstawiać domy mody dla KLIMAT w 1998 roku i pamiętam, że biały facet, którego zastąpiłem, powiedział: „Och, nigdy z tobą nie porozmawiają. Nie odbierają nawet moich telefonów, więc nigdy nie będą z tobą rozmawiać. Gucci był moim pierwszym wyborem, ponieważ dorastając w pobliżu sklepu Dapper Dana w Harlemie, widziałem, co robił z logomanią, zanim ktokolwiek inny. Marki nawet nie używały w ten sposób swoich logo; Dap to zaczął. Wiele osób nie zdaje sobie sprawy, że wtedy Gucci deptał im po piętach, a kiedy dali go Tomowi Fordowi [który został dyrektorem kreatywnym w 1994], zrewitalizował całą markę. Nie powiem, że [załatwienie ich biznesu] było łatwe, ale pamiętam, że Tom Ford w WWD powiedział coś w stylu: „Zrobiłem tę kolekcję dla Whitney Houston, gdyby wyszła za gwiazdę hip-hopu i spędzali wakacje na jachcie. Wiedziałem wtedy, że Tom wiedział, że czarni są modni, ustaliliśmy trendy. Więc zalaminowałem ten cytat i zebrałem niektóre z najbardziej kultowych stylizacji Emila Wilbekina, mody ówczesny reżyser, który kiedykolwiek stylizował na ubrania Gucci, umieścił to wszystko w pięknym skórzanym pudełku i wysłał do Gucciego. Potem miałem spotkanie i było dobrze, ale na początku nie dostałem ich sprawy. Ale następnego lata dostaliśmy dwie strony [reklam w magazynie]. Następnie Prada pojawił się w książce z 10 stronami i to było przełomowe.

Powiedzieli, że KLIMAT dochód gospodarstwa domowego konsumenta nie odpowiadał Moda lub GQ ale część naszego kulturowego DNA wygląda dobrze. To nie dla pawia, to dosłownie dla naszego własnego bezpieczeństwa, praca, taksówka, podstawy. Kiedy rozbijałem się w Europie, dałem im informacje kryjące się za naszą grupą demograficzną, o tym, dlaczego chcieliśmy dobrze wyglądać i dlaczego byliśmy po prostu jak biali Amerykanie. Ten kraj jest zbudowany na materializmie i rozwija się, a ludzie żyją ponad stan, więc tak naprawdę nie różniliśmy się od przeciętnego Amerykanina. Po prostu, kiedy to robimy, patrzy się na to z góry. Musieliśmy dobrze wyglądać, żeby dostać pracę, a nawet zostać przyjęci do sklepów. Dawałem pełne lekcje historii na temat południa Jim Crow i Rekonstrukcji. Podczas Rekonstrukcji KKK rozsiewała pogłoski, że byliśmy nie tylko leniwi, ale także brudni i zaniedbani, to znaczy dlaczego do dziś nadmiernie indeksujemy konsumpcję środków higieny osobistej w porównaniu z naszą białą? odpowiedniki. Myślę, że to z powodu piętna, które zostało na nas nałożone setki lat temu. Puffy, Lil' Kim, Mary J. Blige, to nie była moda, to jest dziedzictwo — i wtedy wyciągnąłem zdjęcia Harlem Renaissance Jamesa Van Der Zee.

Streetwear to biała wersja odzieży miejskiej, podobnie jak to, co robią Supreme i Virgil Abloh z Vuittonem. Nigdy nie nazywaliśmy naszych ubrań niczym, z wyjątkiem Andre Harrella, który ukuł frazę „getto bajeczne”. Tworzymy coś, potem kopiują go i umieszczają na nim swoją markową etykietę, a teraz płacisz 1000 dolarów za coś, co możesz dostać na 125 Ulicy? Przed Dapperem Dan nikt nie myślał o umieszczaniu monogramów na ubraniach. Ludzie wiedzą, że wziął markowe ubrania i ubrał je w miejskie sylwetki, ale ludzie nie rozumieją, że marki nawet nie wykorzystywały w ten sposób swoich logo. Więc kiedy zrobili to Marc Jacobs z Louis Vuitton lub Tom Ford z Gucci, był to tak ważny moment w modzie, ponieważ został ściągnięty przez Dappera Dana. W tym momencie Dap został zmuszony do ukrywania się za naruszenie znaku towarowego, a oni dosłownie biorą to, za co był demonizowany, i umieszczają to na wybiegu i sprzedają w sklepach. Czy nie chodzi o sukę? Spala moje ciastka.

Gucci rozpoczął kreatywną współpracę z Dapper Dan w 2018 roku, a obie marki współpracują ze sobą, aby przedstawić swoje projekty masom, które zatoczyły koło od momentu, gdy wysłali ówczesnego prawnika firmy Fendi, teraz Sędzia Sądu Najwyższego Sonia Sotomayor służyć nakazowi zaprzestania działalności w 1992 roku. Walker (cytowana na powyższej grafice), niedawno ponownie uruchomiła Walker Wear z jednym z jej oryginalnych zwolenników, Method Manem, jako model. Ambrose jest dyrektorem kreatywnym w Pumie. Peterson rozwija swoją markę odzieży kurortowej K. Milele, a Smith wydała książkę zatytułowaną „Bevelations”, pełną jej barwnych przemyśleń. Tak jak odporność Czarnych pomimo brudnej, rasistowskiej historii Ameryki, straż kultury nadal podnosi i teraz w końcu otrzymują uznanie i wzajemność finansową za ich geniusz — dokładnie tak, jak powinno być.

Niezależnie od tego, czy chodzi o modę, urodę, czy kulturę w ogóle, sztuka w Ameryce ma jedną wspólną cechę, która utrzymuje je na powierzchni: kreatywność i doskonałość czarnych. W tym pakiecie o nazwie Stan techniki, przyglądamy się liderom — niedocenianym graczom w tle i sławnym „pierwszym” — którzy są najlepsi w tym, co robią. Stan techniki? Musielibyśmy powiedzieć, że nigdy nie byli lepsi.