"Nosso pessoal é o primeiro estilista americano", disse a estilista Bethany Yellowtail. Ela está falando comigo no Zoom de sua casa em Los Angeles, onde trabalhou no ano passado. Bethany é membro da Nação Cheyenne do Norte e foi criada na Reserva Indígena Crow em Montana. Como muitos designers nativos, crescer em torno dos belos trajes de sua tribo inspirou sua jornada no design de moda.
Em março de 2020, quando o coronavírus atingiu os Estados Unidos, ela foi forçada não apenas a fechar o escritório em Los Angeles que trabalhou durante anos para abrir, mas a mudar completamente sua estratégia de negócios. Como muitas fábricas da cidade se voltaram para a fabricação de EPI, ela decidiu trabalhar com elas para fornecer aos nativos em todo o país que estavam entre os mais atingidos pelo coronavírus. Ao longo do ano, ela fez mais de 100.000 máscaras com o símbolo de sua tribo, a estrela da manhã. Foi uma fonte de orgulho em uma época devastadora para ela e sua comunidade.
De acordo com O guardião
Dentro dessa tragédia impensável, porém, surgiu um pequeno sinal de progresso. O movimento Black Lives Matter no verão de 2020 ajudou a destacar a desigualdade que os povos indígenas também enfrentaram por séculos. Essa desigualdade - do acesso limitado aos cuidados de saúde à pobreza criada por má gestão federal de terras indígenas - criou um ambiente onde a Covid-19 impactou desproporcionalmente suas comunidades.
À medida que os defensores do movimento pela igualdade racial começaram a aprender sobre a riqueza das culturas nativas, eles canalizaram seu apoio por meio de investimentos em empresas indígenas, incluindo moda de propriedade indígena marcas. Para designers como Bethany, esse afluxo de atenção tem sido uma forma de recuperar peças de sua cultura que tantas vezes foram apropriadas - pense em estampas "de inspiração nativa" em camisetas - e contar a história de seu povo e quem eles são hoje por meio de sua arte.
Ao mesmo tempo, continuar a fazer roupas que homenageiam a tradição e usam técnicas passadas por os mais velhos são um meio de proteger a cultura que corre o risco de se perder com as taxas de mortalidade avassaladoras dos nativos comunidades.
À frente, conversamos com três designers sobre como foi o ano passado para eles e como eles estão usando a moda para preservar, celebrar e compartilhar sua cultura - em seus próprios termos - com suas comunidades e com o resto do mundo.
Eu cresci na Reserva Indígena Crow, que fica no sudeste de Montana. Venho de uma comunidade vibrante muito rica, cheia de texturas e cores lindas. Era normal ver parentes fazendo coisas nas mesas da cozinha. Uma das primeiras lembranças de fazer meus próprios trajes é quando minha tia trouxe algum material para nossa casa e ela se sentou comigo e minha irmã no chão e aprendemos a franjar xales. Quando entrei no final do ensino fundamental e no ensino médio, minha professora de economia doméstica viu que eu sabia costurar muito bem, ela me disse que eu poderia ter uma carreira na moda.
Não vemos nativos na moda e, pela primeira vez, percebi que minha comunidade poderia ser representada. Mudei-me para Los Angeles e fui para a FIDM, onde aprendi os detalhes básicos da confecção de roupas. Mas foi lá também que vi coleções que levaram estética da identidade e cultura nativas. Naquela época eu não tinha linguagem para falar por mim quando vi esse tipo de apropriação. Mas quando fui para casa, vi a desigualdade drástica na minha reserva e algo simplesmente não parecia certo. Então, com a ajuda de meu pai - que vendeu seu equipamento de fazenda de gado para me ajudar a conseguir um empréstimo - comecei meu negócio, b. Yellowtail, vendendo meus designs, bem como [designs] de outros nativos.
Isso atingiu nossa tribo com muita, muita força e devastou nossa comunidade. Crow e Northern Cheyenne, perdemos muitas pessoas. Minha avó ficou no hospital por oito semanas e ainda está se recuperando.
Mas eu sou o tipo de pessoa que não posso simplesmente sentar e assistir isso acontecer. Felizmente, temos um relacionamento incrível com um fabricante aqui em Los Angeles e quando as coisas pararam, ele se converteu em fazer EPI. Acabamos de transformar nossas habilidades de moda em fazer máscaras e, felizmente, conseguimos uma doação de tecidos da Patagônia e da Nike. Acho que apenas para a nação navajo, nós [doamos] 60.000 máscaras de pano. Em minha comunidade tribal, apoiamos cerca de 50.000.
Eu também estava programado para lançar uma coleção nesta primavera. Quando Covid bateu, nós simplesmente paramos tudo. Felizmente, conseguimos mudar e, no outono passado, em novembro, a coleção foi lançada e foi a mais bem recebida de todas as minhas coleções. E também foi uma coleção que criamos em colaboração com nossa comunidade. Temos uma exposição no Field Museum de Chicago chamada Apsáalooke Women and Warriors. E conta uma história de nosso povo, desde a história da criação até onde estamos agora.
O vestido verde apresenta nossa arte têxtil exclusiva. Parece bolinhas, mas na verdade é o motivo de um dente de alce. Os dentes de alce são muito importantes culturalmente para as tribos da região tribal das Planícies do Norte, especificamente para os corvos, cheyenne e lakota. Dentes de alce tradicionalmente eram um sinal de riqueza, e nos velhos tempos, era pré-reserva, dentes de alce eram costurados em vestidos de noiva. O noivo o criaria, sua família o faria para a noiva e seria como um dote, mas como um presente para a esposa. Um dente de alce significa que eles são provedores e bons caçadores e podem sustentar a família porque cada alce tem apenas dois dentes de marfim. Para ter um vestido completo, você precisa de 500 dentes de alce para ser adequado. Portanto, ter mais dentes de alce no marfim é como você ser rico, você é rico e pode fornecer. Minha família, temos um da minha tataravó do final de 1800, e está cheio de dentes de alce de verdade, é tão lindo.
Os brincos são de um de nossos artistas coletivos, Alaynee Goodwill. Ela é Dakota Sioux e Lakota. E as conchas brancas que estão lá são dentário. As conchas de Dentalium são uma concha real, mas foi usada como uma forma de comércio no noroeste e depois se espalhou pela planície. Você o verá aparecer em fotos antigas e, obviamente, ainda o usamos. Agora está transformado em brincos mais modernos.
Então, o motivo floral no meu vestido roxo é na verdade o mesmo motivo que está nos meus mocassins. Meus mocassins foram projetados para mim por um artista Apsáalooke (Crow), Nina Sanders. Ela estava fazendo uma pesquisa no Museu Nacional Smithsonian de Índios Americanos e viu que os desenhos florais com um um pequeno morango neles apareceria nas coleções do museu, em fotos antigas e em trajes ligados a Yellowtail mulheres. E ela disse que começou a sonhar com morangos e disse: "Eu sabia que precisava fazer isso para seus mocassins."
É algo que cresci durante toda a minha vida. Minha mãe era designer gráfica. Ela trabalhou para a MCA Records e fez capas de álbuns para algumas bandas realmente incríveis dos anos 70. Minha avó era pintora, então a arte era apenas uma parte da vida desde o nascimento. Mas foi realmente quando comecei a dançar no pow wows [que me interessei em ser designer]. O primeiro a que compareci foi na reserva da minha avó, a Reserva Indígena Fort Hall, em Idaho.
Na minha primeira dança, eu estava com roupas normais, mas eu tinha visto as roupas lindas de todo mundo e sabia que era isso que eu queria fazer. Requer muito trabalho - trabalho com contas, costura; tudo é feito por você e sua família. Então foi basicamente aí que tudo começou, para que eu pudesse entrar no círculo pow wow e dançar. Desde então, tenho uma agulha e linha na mão.
Eu não falo pela minha tribo. Quem sou eu para ter essa responsabilidade? Existe toda uma tribo de pessoas. Não desenho nada superespecífico, porque pertence a muita gente. Simplesmente não consigo me apropriar dessas tradições. É sempre um aceno a este elemento de design específico da minha tribo e é assim que escolho homenagear o meu povo no meu trabalho de moda.
Estou usando um vestido que é baseado em uma silhueta tradicional, eles são chamados de vestidos de asa. É um corte muito simples, mas muito específico de tribo para tribo. Eu adoro cores, adoro texturas diferentes, tecidos diferentes, e foi assim que criei esse vestido, apenas como uma homenagem a um vestido tradicional. Os mocassins que fiz quando tinha vinte e poucos anos e são todos cheios de miçangas. Estou usando algemas antigas e segurando um leque de cauda de águia careca. Meu primo [foto à direita] está usando uma peça de alta costura baseada na minha coleção de pronto-a-vestir de outono [para minha marca de mesmo nome].
Existe essa narrativa, especificamente como um nativo, que você tem que sair [da reserva] para cumprir seus objetivos. Acho que a conquista mais incrível para mim é que posso fazer tudo o que estou fazendo aqui mesmo em casa, na minha reserva. Meus filhos veem isso. Estou aqui para dizer sim, porra, sim, você pode. Você pode fazer o que quiser. Contanto que seu coração esteja lá, e sua mente esteja lá, e eu simplesmente sinto que não poderia pedir nada melhor para eu para poder criar meus filhos aqui e fazer com que eles vejam que não precisam sair daqui para ter sucesso.
Eu sou um Tlingit, Filipina e Kanien'kehá: ka mulher nascida na metade Raven, Clã do Rio Copper, Casa da Coruja. Meu nome Tlingit é Keixé Yaxtí, que significa Estrela da Manhã. Tive a sorte de ter uma mãe e avós que eram portadores do conhecimento tradicional. Passei parte da minha infância com eles em arquivos profundos de museus, onde eles identificariam artefatos. Dentro desses arquivos profundos, fiquei maravilhado com a habilidade dos Artistas da Costa Noroeste. O bordado com contas, a tecelagem e a simetria em Formline artistas foram incríveis.
Nossos artistas foram tão inovadores - eles sempre encontraram maneiras de moldar e trabalhar com novas formas e tecidos, incluindo madeira, lã de cabra da montanha, pele de animal, prata, ouro, concha e osso. Como alguém que lutou contra a saúde mental ao longo da minha vida, comecei a praticar a arte e o design como uma forma de tentando traduzir os componentes resilientes de nossa cultura: amor, compaixão, relações de clã, matrilinear potência. É humilhante fazer uma tradução tangível de conceitos que às vezes são intangíveis.
A Covid impactou minha família em 2020. Durante os mandatos do abrigo no local, meu marido ficou vários meses impossibilitado de trabalhar em seu consultório odontológico. Eu ainda estava fazendo meu mestrado em saúde pública, ao mesmo tempo em que trabalhava meio período para uma organização sem fins lucrativos. Nossas finanças eram a galvanização necessária por trás do mergulho no design de joias. Minha aldeia e tribo implementaram ordens de proteção porque os casos positivos de Covid foram de pessoas que viajavam de fora para Yakutat. Não voltamos para casa em 2020 como uma forma de proteger nossos entes queridos e eu sentia muita falta da minha família e da terra.
Nosso mundo precisa de compaixão e compreensão, e a comunicação empática por meio da arte cultural pode ajudar nisso. Arte e design são expressões tangíveis de emoção e cultura e podem traduzir importantes tópicos sociais e globais, como mudanças climáticas, desaparecidas e assassinadas mulheres e meninas indígenas, pessoas de dois espíritos [a coloquial termo para pessoas que identificam LGBTQ]. De certa forma, a pandemia ampliou um complexo de escassez - muitas pessoas estão sofrendo de muitas maneiras. Eu testemunhei e experientes comunidades de cor reagem com violência lateral. Ao aconselhar-me com um artista e ancião de confiança, Robert Davidson, acredito que parte dessa violência vem de um lugar de profunda dor intergeracional. Encontrei-me passando por um processo de luto este ano para deixar ir a profunda dor interna, então que tento levar nossa cultura adiante e criar a partir de um lugar intencional de transformação parentesco. Se pudermos extrair da força e resiliência de nossos ancestrais e cruzar com o parentesco transformador, podemos ser futurismo indígena.
Não é incomum ter clientes não nativos preocupados com a apropriação ao comprar arte nativa. Em geral, se um artista indígena cria com conhecimento cultural, não venderá itens cerimoniais para não indígenas. Recomendamos comprar diretamente de artistas e empresas indígenas. Nossos amigos em Oitava geração inventamos uma frase que usamos com frequência: "Compre de nativos inspirados - não de marcas de inspiração nativa."
Essas fotos exibem protótipos que venho projetando em minha jornada reflexiva. As luas turquesas foram um projeto colaborativo meu e com a ajuda de uma mentora, sua amiga Mary Jane Garcia confeccionou o brinco. Mary Jane é o clã Diné, Tl'og'i (Povo Zia) e Kinyaa'áanii (Pessoas da Casa Elevada). Foi um projeto baseado na cura e no parentesco. A foto com o tambor comunica minha relação com meu falecido avô. Eu herdei seu tambor e os brincos que desenhei [para minha marca, Moonture] contam a história da aurora boreal. Meu avô nos ensinou que a Aurora Boreal é o espírito de pessoas que se suicidaram. Dentro das cores das luzes do norte, você vê o movimento espiritual, e a cor verde é o musgo que cresceu sobre elas. Criar este design foi uma forma de expressar minha jornada de saúde mental este ano e lembrar que precisamos de você aqui.
A sobrevivência da arte indígena tem sido como uma Fênix, e acredito que o futuro da moda indígena continuará a surgir se nossos corações ardentes coletivos permanecerem fiéis. É incrível pensar em tudo o que os povos indígenas passaram nos últimos séculos: genocídio, escravidão, estupro, segregação, racismo, discriminação - mas não apenas sobrevivemos - mas muito de nossa arte é próspera. Espero criar a partir desse lugar próspero e sonho de projetar uma linha de roupas na interseção da cultura Tlingit e material sustentável. Estou lentamente aprendendo a criar e criar peças de joalheria e joias finas, utilizando materiais como Alaska Jade e Walrus Ivory presenteada a mim pela família Apangalook e meu marido e eu estamos aprendendo sob a orientação de Anna Sheffield. Esses objetivos voltam às minhas esperanças de contribuir para a compreensão e compaixão cultural e para a comunicação empática por meio da arte transformadora.