"Vårt folk är de första amerikanska formgivarna", sa designern Bethany Yellowtail. Hon pratar med mig på Zoom från sitt hem i Los Angeles där hon har jobbat det senaste året. Bethany är medlem i Northern Cheyenne Nation och växte upp på Crow Indian Reservation i Montana. Precis som många infödda designers inspirerade uppväxten kring de vackra regalierna i hennes stam hennes resa till modedesign.
I mars 2020, när coronaviruset drabbade USA, tvingades hon inte bara stänga kontoret i LA som hon arbetat med i flera år för att öppna, utan att ändra sin affärsstrategi helt. Eftersom många fabriker i staden var avsedda att göra personlig skyddsutrustning, bestämde hon sig för att arbeta med dem för att försörja infödda människor över hela landet som var bland de hårdast drabbade av coronaviruset. Under året gjorde hon över 100 000 masker präglade med sin stams symbol, morgonstjärnan. Det var en källa till stolthet över en förödande tid för henne och hennes samhälle.
Enligt Väktarenuppskattningsvis en av 475 indianer dog av covid-19 mellan mars 2020 och januari 2021, vilket är mer än dubbelt så högt som vita amerikaner. Medan många inhemska nationer samlades för att hjälpa varandra med resurser och hjälp, var de förödande effekterna betydande: Familjer lämnades utan nära och kära, inklusive många av deras äldste och lärare som hjälper till att fördjupa deras kulturer generationer.
Inom denna otänkbara tragedi kom dock ett litet tecken på framsteg. Black Lives Matter -rörelsen sommaren 2020 hjälpte till att sätta fokus på ojämlikheten som urbefolkningen också har mött i århundraden. Den ojämlikheten - från begränsad tillgång till sjukvård till fattigdom skapad av federal misskötsel av inhemska länder -skapat en miljö där Covid-19 oproportionerligt påverkat deras samhällen.
När förespråkare för rörelsen för raslik jämlikhet började lära sig om rikedomen i inhemska kulturer, de kanaliserade sitt stöd genom investeringar i inhemska företag, inklusive inhemskt ägt mode varumärken. För designers som Bethany har denna uppmärksamhet varit ett sätt att återta delar av hennes kultur som så ofta har blivit tillägnad - tänk "Native-inspirerade" tryck på T-shirts - och berätta historien om hennes folk och vilka de är idag genom hennes konst.
Samtidigt fortsätter att göra kläder som hyllar traditionen och använder tekniker som går igenom äldste är ett sätt att skydda kulturen som riskerar att gå vilse med de överväldigande dödsgraden i Native gemenskaper.
Framåt pratade vi med tre designers om hur det senaste året har varit för dem och hur de använder mode till bevara, fira och dela sin kultur - på sina egna villkor - med sina samhällen och med resten av värld.
Jag växte upp på Crow Indian Reservation, som ligger i sydöstra Montana. Jag kommer från ett mycket rikt samhälle som är fullt av texturer och vackra färger. Det var normalt att se släktingar göra saker på köksborden. Ett av mina tidigaste minnen av att göra egna regalier är när min moster tog med lite material till vårt hus och hon satt med mig och min syster på golvet och vi lärde oss att fransa sjalar. När jag kom in på sen gymnasieskola, gymnasiet, såg min hemmalärare att jag kunde sy riktigt bra, hon sa till mig att jag kunde ha en karriär inom mode.
Vi ser inte infödda människor på mode, och för första gången insåg jag att mitt samhälle kunde representeras. Jag flyttade till Los Angeles och gick till FIDM där jag lärde mig muttrarna och skruvarna vid plaggframställning. Men det var också där som jag såg samlingar som tog estetik av infödd identitet och kultur. På den tiden hade jag inte språket att tala för mig själv när jag såg den här typen av anslag. Men när jag gick hem såg jag den drastiska ojämlikheten på min bokning och något var helt enkelt inte rätt. Så med hjälp av min pappa - som sålde sin boskapsutrustning för att hjälpa mig att få ett lån - startade jag mitt företag, b. Yellowtail, säljer mina designer samt [designs] av andra infödingar.
Det drabbade vår stam riktigt, riktigt hårt och förstörde vårt samhälle. Crow och Northern Cheyenne, vi förlorade många människor. Min mormor låg på sjukhuset i åtta veckor och hon återhämtar sig fortfarande.
Men jag är den typen av människor där jag inte bara kan sitta och se hur det händer. Lyckligtvis har vi ett fantastiskt förhållande med en tillverkare här i Los Angeles och när saker och ting stängdes över konverterade han till att göra PPE. Vi förvandlade precis våra modeförmågor till att göra masker och tack och lov kunde vi få tyg donerat från Patagonia och Nike. Jag tror att bara för Navajo -nationen [gav vi bort] 60 000 tygmasker. I mitt stamgemenskap har vi stött cirka 50 000.
Jag hade också tänkt att en kollektion skulle komma ut i våras. När Covid drabbade stoppade vi bara allt. Tack och lov kunde vi flytta, och sedan i höstas, i november, kom samlingen ut och den var bäst mottagen av alla mina samlingar. Och det var också en samling vi skapade i samarbete med vårt samhälle. Vi har en utställning på Field Museum i Chicago som heter Apsáalooke Women and Warriors. Och den berättar en historia om vårt folk från vår skapelseshistoria till där vi är nu.
Den gröna klänningen har vår signaturtextilkonst. Det ser ut som prickar men det är faktiskt ett motiv av en älgtand. Älgens tänder är verkligen kulturellt viktiga för stammar i Northern Plains stamregion, särskilt Crow och Cheyenne och Lakota. Ältänder var traditionellt ett tecken på rikedom, och i gamla tider, före bokningstiden, var älgtänderna sydd på bröllopsklänningar. Den manliga brudgummen skulle skapa det, hans familj skulle göra det för bruden och det skulle vara som en hemgift, men som en gåva till hustrun. En älgtand betyder att de är leverantörer och bra jägare och kan försörja familjen eftersom varje älg bara har två elfenbenständer på den. För att ha en komplett klänning behöver du 500 älgtänder för att vara korrekt. Så att ha flest älgtänder i elfenbenen är precis som om du är rik, du är rik och du kan ge. Min familj, vi har en från min gammelmormor från slutet av 1800, och den är full av riktiga älgtänder, den är så vacker.
Örhängena är från en av våra kollektiva konstnärer, Alaynee Goodwill. Hon är Dakota Sioux och Lakota. Och de vita skalen som finns där är dentalium. Dentaliumskal är ett verkligt skal, men det användes som en handelsform för handel i nordväst, och sedan flyttade det över slätten. Så du kommer att se det dyka upp i gamla foton och vi använder det uppenbarligen fortfarande. Nu har det förvandlats till mer moderna örhängen.
Då är blommotivet på min lila klänning faktiskt samma motiv som på mina mockasiner. Mina mockasiner designades för mig av en Apsáalooke (Crow) -konstnär, Nina Sanders. Hon forskade på Smithsonian National Museum of American Indian och såg att blommönster med en lite jordgubbe på dem skulle dyka upp i museets samlingar, gamla foton och på regalier kopplade till Yellowtail kvinnor. Och hon sa att hon började drömma om jordgubbar och hon sa: "Jag visste bara att jag behövde designa det här för dina mockasiner."
Det har bara varit något som jag har vuxit upp i hela mitt liv. Min mamma var grafisk formgivare. Hon arbetade för MCA Records och gjorde skivomslag för några riktigt fantastiska band från 70 -talet. Min mormor var en målare, så konst var bara en del av livet sedan födseln. Men det var verkligen när jag började dansa på pow wows [som jag blev intresserad av att bli designer]. Den första jag deltog var på min mormors bokning, Fort Hall Indian Reservation i Idaho.
Första gången jag dansade var jag i gatukläder, men jag hade sett allas vackra kläder och visste att det var det jag ville göra. Det kräver mycket arbete - pärlor, sömnad; allt är gjort av dig själv och din familj. Så det var i princip där det började, så jag kunde ta mig ut i pow wow -cirkeln och dansa. Jag har ganska mycket haft en nål och tråd i handen sedan dess.
Jag talar inte för min stam. Vem är jag som har det ansvaret? Det finns en hel stam av människor. Jag designar inget superspecifikt, eftersom det tillhör många människor. Jag kan bara inte ta äganderätten till dessa traditioner. Det är alltid en nick till detta specifika designelement i min stam och det är så jag väljer att hedra mitt folk i mitt modearbete.
Jag har på mig en klänning som är baserad på en traditionell siluett, de kallas vingklänningar. Det är en mycket enkel klippning men mycket specifik stam till stam. Jag älskar bara färg, jag älskar olika texturer, olika tyger, och det var så jag skapade den där klänningen, precis som en nick till en traditionell klänning. Mockasinerna gjorde jag i början av tjugoårsåldern och alla är helt pärlstavade. Jag bär antika manschetter och håller en fläkt av skallig örn. Min kusin [på bilden till höger] bär en couture-pjäs baserad på min fallklara kollektion [för mitt självnamn].
Det finns denna berättelse, specifikt som en infödd person, som du måste lämna [reservationen] för att uppnå dina mål. Jag tycker att den mest fantastiska prestationen för mig själv är att jag kan göra allt jag gör här hemma, på min bokning. Mina barn ser det. Jag är här för att säga ja, fan, ja det kan du. Du kan göra vad du vill. Så länge ditt hjärta finns där, och ditt sinne finns där, och jag känner bara att jag inte kunde be om något bättre för mig för att kunna uppfostra mina barn här och få dem att se att de inte behöver lämna härifrån för att lyckas.
Jag är A Tlingit, filippinska och Kanien'kehá: ka kvinna född i korpgruppen, Copper River Clan, Owlens hus. Mitt Tlingit -namn är Keixé Yaxtí, vilket betyder Morning Star. Jag hade turen att ha en mamma och morföräldrar som var traditionella kunskapsbärare. Jag tillbringade en del av min barndom med dem i museer djupa arkiv där de skulle identifiera artefakter. Inom dessa djupa arkiv förundrade jag mig över konstnärerna från nordvästra kusten. Pärlorna, vävningen och symmetrin i Formline artister var otroliga.
Våra konstnärer var så innovativa - de hittade alltid sätt att forma och arbeta med nya former och textilier, inklusive trä, fjäll getull, djurhud, silver, guld, skal och ben. Som någon som har kämpat med psykisk hälsa under hela mitt liv började jag utöva konst och design som ett sätt att försöker översätta de elastiska komponenterna i vår kultur: kärlek, medkänsla, klanrelationer, matrilineal kraft. Det är ödmjukt att göra en konkret översättning av begrepp som ibland är immateriella.
Covid påverkade min familj 2020. Under mandaten om skydd på plats kunde min man inte arbeta i sin tandläkare i flera månader. Jag arbetade fortfarande på mina mästare i folkhälsa samtidigt som jag arbetade deltid för en ideell organisation. Vår ekonomi var det galvaniserande behovet bakom att dyka in i smyckedesign. Min by och stam implementerade skyddande order eftersom de positiva fallen av Covid var av människor som rest till Yakutat utifrån. Vi gick inte hem år 2020 som ett sätt att skydda våra nära och kära och jag saknade desperat min familj och landet.
Vår värld behöver medkänsla och förståelse, och empatisk kommunikation genom kulturell konst kan hjälpa till med det. Konst och design är påtagliga uttryck för känslor och kultur och de kan översätta viktiga sociala och globala ämnen som klimatförändringar, försvunna och mördade inhemska kvinnor och flickor, tvåandiga människor [a vardaglig term för HBTQ-identifierande personer]. På vissa sätt har pandemin förstärkt ett bristkomplex - många människor skadar på så många sätt. Jag har bevittnat och upplevt färgsamhällen reagerar med våld i sidled. I rådgivning med en betrodd äldste och konstnär, Robert Davidson, tror jag att en del av detta våld kommer från en plats med djup intergenerationell smärta. Jag har befunnit mig genomgå en sorgprocess i år för att släppa djup inre smärta så att jag försöker kalla vår kultur framåt och skapa från en avsiktlig plats för transformativ släktskap. Om vi kan dra från våra förfäders styrka och motståndskraft och korsa transformativ släktskap kan vi vara inhemsk futurism.
Det är inte ovanligt att icke-infödda kunder oroar sig för anslag när de köper inhemsk konst. I allmänhet, om en inhemsk konstnär skapar med kulturell kunskap, kommer de inte att sälja ceremoniella föremål till icke-inhemska människor. Vi rekommenderar att du köper direkt från inhemska konstnärer och företag. Våra vänner på Åttonde generationen har myntat en fras som vi ofta använder: "Köp från Inspired Natives-inte från infödda inspirerade varumärken."
Dessa foton visar prototyper som jag har designat under min reflekterande resa. De turkosa månarna var ett samarbetsprojekt av min design och med hjälp av en mentor skapade deras vän Mary Jane Garcia örhänge. Mary Jane är Diné, Tl'og'i (Zia People) och Kinyaa'áanii (Towering House People) Clan. Det var ett projekt baserat på healing och släktskap. Fotot med trumman kommunicerar mitt förhållande till min avlidne farfar. Jag ärvde hans trumma och örhängen som jag designade [för mitt märke, Moonture] berättar historien om norrskenet. Min farfar lärde oss att norrskenet är andar hos människor som har tagit sitt liv. Inom norrskenets färger ser du andlig rörelse, och den gröna färgen är mossan som har växt på dem. Att skapa denna design var ett sätt att uttrycka min mentala hälsoresa i år och komma ihåg det vi behöver dig här.
Den inhemska konstens överlevnad har varit som en Phoenix, och jag tror att framtiden för inhemskt mode kommer att fortsätta att växa om våra kollektiva brinnande hjärtan förblir sanna. Det är otroligt att tänka på allt som urbefolkningen har gått igenom under de senaste århundradena: folkmord, slaveri, våldtäkt, segregering, rasism, diskriminering - men vi har inte bara överlevt - utan mycket av vår konst är blomstrande. Jag hoppas kunna skapa från den blomstrande platsen och drömma om att designa en klädlinje i skärningspunkten mellan Tlingit -kultur och hållbart material. Jag lär mig långsamt mig själv design och hantverk för arvsmassa och fina smycken med material som Alaska Jade och Valross Ivory begåvad till mig av familjen Apangalook och min man och jag lär mig under mentorskap av Anna Sheffield. Dessa mål kommer tillbaka till mina förhoppningar om att bidra till kulturell medkänsla och förståelse och empatisk kommunikation genom transformativ konst.