"Nos gens sont les premiers designers américains", a déclaré la designer Bethany Yellowtail. Elle me parle sur Zoom depuis son domicile de Los Angeles où elle travaille depuis un an. Bethany est membre de la nation Cheyenne du Nord et a grandi dans la réserve indienne Crow dans le Montana. Comme de nombreux créateurs autochtones, grandir autour des magnifiques insignes de sa tribu a inspiré son parcours dans le design de mode.
En mars 2020, alors que le coronavirus frappait les États-Unis, elle a été forcée non seulement de fermer le bureau de L.A. qu'elle avait travaillé pendant des années pour ouvrir, mais de changer complètement de stratégie commerciale. Alors que de nombreuses usines de la ville se sont tournées vers la fabrication d'EPI, elle a décidé de travailler avec elles pour subvenir aux besoins des Autochtones de tout le pays qui étaient parmi les plus durement touchés par le coronavirus. Au cours de l'année, elle a fabriqué plus de 100 000 masques arborant le symbole de sa tribu, l'étoile du matin. C'était une source de fierté dans une période dévastatrice pour elle et sa communauté.
Selon Le gardien, on estime qu'un Amérindien sur 475 est décédé de Covid-19 entre mars 2020 et janvier 2021, ce qui est plus du double du taux des Américains blancs. Alors que de nombreuses nations autochtones se sont réunies pour s'entraider avec des ressources et de l'aide, les effets dévastateurs ont été substantiels: Les familles se sont retrouvées sans êtres chers, y compris bon nombre de leurs aînés et enseignants qui aident à transmettre leurs cultures à travers générations.
Dans cette tragédie impensable, cependant, est venu un petit signe de progrès. Le mouvement Black Lives Matter à l'été 2020 a contribué à mettre en lumière les inégalités auxquelles les peuples autochtones sont également confrontés depuis des siècles. Cette inégalité — de l'accès limité aux soins de santé à la pauvreté créée par mauvaise gestion fédérale des terres autochtones – a créé un environnement où Covid-19 a eu un impact disproportionné sur leurs communautés.
Alors que les défenseurs du mouvement pour l'égalité raciale commençaient à découvrir la richesse des cultures autochtones, ils canalisé leur soutien par le biais d'investissements dans des entreprises autochtones, y compris la mode appartenant à des autochtones marques. Pour des designers comme Bethany, cet afflux d'attention a été un moyen de récupérer des morceaux de sa culture qui ont si souvent été appropriés — pensez aux imprimés « d'inspiration autochtone » sur les t-shirts - et raconter l'histoire de son peuple et ce qu'il est aujourd'hui à travers son art.
Parallèlement, continuer à confectionner des vêtements qui rendent hommage à la tradition et utilisent des techniques héritées les aînés est un moyen de protéger la culture qui risque de se perdre avec les taux de mortalité accablants chez les Autochtones communautés.
Avant, nous avons discuté avec trois créateurs de ce qu'ils ont vécu l'année dernière et de la façon dont ils utilisent la mode pour préserver, célébrer et partager leur culture — selon leurs propres termes — avec leurs communautés et avec le reste de la monde.
J'ai grandi dans la réserve indienne Crow, qui se trouve dans le sud-est du Montana. Je viens d'une communauté très riche et vibrante, pleine de textures et de belles couleurs. C'était normal de voir des proches faire des choses sur les tables de la cuisine. L'un de mes premiers souvenirs de confection de mes propres insignes est quand ma tante a apporté du matériel à notre maison et elle s'est assise avec moi et ma sœur par terre et nous avons appris à faire des châles à franges. Quand je suis rentrée au collège, au lycée, ma prof de home-ec a vu que je savais très bien coudre, elle m'a dit que je pouvais faire carrière dans la mode.
On ne voit pas les Autochtones à la mode, et pour la première fois, j'ai réalisé que ma communauté pouvait être représentée. J'ai déménagé à Los Angeles et je suis allé au FIDM où j'ai appris les rouages de la confection de vêtements. Mais c'est aussi là que j'ai vu des collections qui reprenaient l'esthétique de l'identité et de la culture autochtones. A l'époque, je n'avais pas la langue pour m'exprimer quand je voyais ce type d'appropriation. Mais quand je suis rentré chez moi, j'ai vu l'inégalité drastique dans ma réserve et quelque chose n'allait pas. Ainsi, avec l'aide de mon père – qui a vendu le matériel de son ranch pour m'aider à obtenir un prêt – j'ai démarré mon entreprise, b. Yellowtail, vendant mes créations ainsi que [dessins] d'autres autochtones.
Cela a frappé notre tribu vraiment, vraiment durement et a dévasté notre communauté. Crow et Northern Cheyenne, nous avons perdu beaucoup de monde. Ma grand-mère a été hospitalisée pendant huit semaines et elle se remet toujours.
Mais je suis le genre de personne où je ne peux pas simplement m'asseoir et regarder ça se produire. Heureusement, nous avons une relation incroyable avec un fabricant ici à Los Angeles et lorsque les choses se sont arrêtées, il s'est converti à la fabrication d'EPI. Nous venons de transformer nos capacités de mode en fabrication de masques et, heureusement, nous avons pu obtenir des dons de tissu de Patagonia et Nike. Je pense que pour la seule nation Navajo, nous avons [donné] 60 000 masques en tissu. Dans ma communauté tribale, nous en avons soutenu environ 50 000.
Je devais aussi sortir une collection ce printemps. Quand Covid a frappé, nous avons juste tout arrêté. Heureusement, nous avons pu changer, puis l'automne dernier, en novembre, la collection est sortie et c'était la mieux reçue de toutes mes collections. Et c'était aussi une collection que nous avons créée en collaboration avec notre communauté. Nous avons une exposition au Field Museum de Chicago intitulée Apsáalooke Women and Warriors. Et il raconte une histoire de notre peuple depuis notre histoire de création jusqu'à où nous sommes maintenant.
La robe verte présente notre art textile signature. Cela ressemble à des pois mais c'est en fait un motif de dent de wapiti. Les dents d'élan sont très importantes culturellement pour les tribus de la région tribale des plaines du Nord, en particulier Crow, Cheyenne et Lakota. Les dents de wapiti étaient traditionnellement un signe de richesse, et dans les temps anciens, à l'époque de la pré-réservation, les dents de wapiti étaient cousues sur les robes de mariée. Le marié le créerait, sa famille le ferait pour la mariée et ce serait comme une dot, mais comme un cadeau à la femme. Une dent d'élan signifie qu'ils sont pourvoyeurs et bons chasseurs et qu'ils peuvent subvenir aux besoins de la famille, car chaque élan n'a que deux dents en ivoire. Pour avoir une robe complète, vous avez besoin de 500 dents de wapiti pour être correcte. Donc, avoir le plus de dents de wapiti dans les ivoires, c'est comme si vous étiez riche, vous êtes riche et vous pouvez fournir. Ma famille, nous en avons une de mon arrière-arrière-grand-mère de la fin des années 1800, et elle est pleine de vraies dents de wapiti, c'est tellement beau.
Les boucles d'oreilles sont d'un de nos artistes collectifs, Bonne volonté d'Alaynee. Elle est Dakota Sioux et Lakota. Et les coquilles blanches qui sont dessus sont du dentale. Les coquilles de Dentalium sont une véritable coquille, mais elles ont été utilisées comme forme de commerce pour le commerce dans le Nord-Ouest, puis elles se sont déplacées à travers la plaine. Vous le verrez donc apparaître sur les photos d'autrefois et nous l'utilisons évidemment toujours. Maintenant, il est transformé en boucles d'oreilles plus modernes.
Ensuite, le motif floral sur ma robe violette est en fait le même motif que sur mes mocassins. Mes mocassins ont été conçus pour moi par un artiste Apsáalooke (Crow), Nina Sanders. Elle faisait des recherches au Smithsonian National Museum of American Indian et a vu que des motifs floraux avec un une petite fraise sur eux apparaîtrait dans les collections du musée, de vieilles photos et sur des insignes liés à Yellowtail femmes. Et elle a dit qu'elle avait commencé à rêver de fraises et qu'elle s'est dit: "Je savais juste que je devais concevoir ça pour tes mocassins."
C'est juste quelque chose que j'ai grandi toute ma vie. Ma mère était graphiste. Elle a travaillé pour MCA Records et a fait des pochettes d'albums pour des groupes vraiment incroyables des années 70. Ma grand-mère était peintre, donc l'art faisait partie de la vie depuis la naissance. Mais c'est vraiment quand j'ai commencé à danser aux pow-wow [que j'ai commencé à m'intéresser au métier de designer]. Le premier auquel j'ai assisté était dans la réserve de ma grand-mère, la réserve indienne de Fort Hall dans l'Idaho.
La toute première fois que j'ai dansé, j'étais en tenue de ville, mais j'avais vu les belles tenues de tout le monde et je savais que c'était ce que je voulais faire. Cela demande beaucoup de travail — perlage, couture; tout est fait par vous-même et votre famille. Donc c'est essentiellement là que ça a commencé, pour que je puisse sortir dans le cercle du pow-wow et danser. Depuis, j'ai à peu près une aiguille et du fil dans la main.
Je ne parle pas pour ma tribu. Qui suis-je pour avoir cette responsabilité? Il y a toute une tribu de gens. Je ne conçois rien de super spécifique, car cela appartient à beaucoup de gens. Je ne peux tout simplement pas m'approprier ces traditions. C'est toujours un clin d'œil à cet élément de design spécifique de ma tribu et c'est ainsi que je choisis d'honorer mon peuple dans mon travail de mode.
Je porte une robe qui s'inspire d'une silhouette traditionnelle, on les appelle des robes à ailes. C'est une coupe très simple mais très spécifique tribu à tribu. J'aime juste la couleur, j'aime différentes textures, différents tissus, et c'est ainsi que j'ai créé cette robe, tout comme un clin d'œil à une robe traditionnelle. Les mocassins que j'ai fabriqués au début de la vingtaine sont tous entièrement perlés. Je porte des menottes anciennes et je tiens un éventail en queue de pygargue à tête blanche. Ma cousine [photo de droite] porte une pièce couture inspirée de ma collection de prêt-à-porter d'automne [pour ma marque éponyme].
Il y a ce récit, spécifiquement en tant qu'autochtone, selon lequel vous devez quitter [la réserve] pour atteindre vos objectifs. Je trouve que la réalisation la plus étonnante pour moi est que je peux faire tout ce que je fais ici à la maison, sur ma réservation. Mes enfants voient ça. Je suis ici pour dire oui, putain, oui tu peux. Vous pouvez faire tout ce que vous voulez. Tant que ton cœur est là, et ton esprit est là, et je sens juste que je ne pourrais pas demander mieux pour moi de pouvoir élever mes enfants ici et de leur faire voir qu'ils n'ont pas à partir d'ici pour réussir.
Je suis une Tlingit, une Philippine et une Kanien'kehá: une femme ka née dans la moitié des Corbeaux, du clan Copper River, de la Maison de la Chouette. Mon nom tlingit est Keixé Yaxtí, ce qui signifie Étoile du Matin. J'ai eu la chance d'avoir une mère et des grands-parents détenteurs de connaissances traditionnelles. J'ai passé une partie de mon enfance avec eux dans les archives profondes des musées où ils identifiaient les artefacts. Dans ces archives profondes, je me suis émerveillé du savoir-faire des artistes de la côte nord-ouest. Le perlage, le tissage et la symétrie dans Ligne de formulaire les artistes étaient incroyables.
Nos artistes étaient si innovants - ils ont toujours trouvé des moyens de façonner et de travailler avec de nouvelles formes et de nouveaux textiles, notamment le bois, la laine de chèvre de montagne, la peau d'animal, l'argent, l'or, les coquillages et les os. En tant que personne qui a lutté contre la santé mentale tout au long de ma vie, j'ai commencé à pratiquer l'art et le design comme moyen de tenter de traduire les composantes résilientes de notre culture: amour, compassion, relations claniques, matrilinéaires Puissance. Il est humiliant de faire une traduction tangible de concepts parfois intangibles.
Le Covid a impacté ma famille en 2020. Durant les mandats de refuge sur place, mon mari a été incapable de travailler dans son cabinet dentaire pendant plusieurs mois. Je travaillais toujours sur ma maîtrise en santé publique tout en travaillant à temps partiel pour un organisme à but non lucratif. Nos finances étaient le besoin galvanisant derrière la plongée dans la conception de bijoux. Mon village et ma tribu ont mis en œuvre des ordonnances de protection car les cas positifs de Covid provenaient de personnes se rendant à Yakutat de l'extérieur. Nous ne sommes pas rentrés chez nous en 2020 pour protéger nos proches et ma famille et la terre me manquaient désespérément.
Notre monde a besoin de compassion et de compréhension, et la communication empathique à travers l'art culturel peut y aider. L'art et le design sont des expressions tangibles de l'émotion et de la culture et ils peuvent traduire des sujets sociaux et mondiaux importants tels que le changement climatique, femmes et filles autochtones disparues et assassinées, personnes bispirituelles [un familier terme désignant les personnes s'identifiant LGBTQ]. À certains égards, la pandémie a amplifié un complexe de pénurie – beaucoup de gens souffrent à bien des égards. J'ai été témoin et expérimenté des communautés de couleur réagir avec une violence latérale. En consultant un aîné et artiste de confiance, Robert Davidson, je crois qu'une partie de cette violence vient d'un lieu de profonde douleur intergénérationnelle. Je me suis retrouvé à traverser un processus de deuil cette année pour abandonner une profonde douleur interne alors que j'essaie de faire avancer notre culture et de créer à partir d'un lieu intentionnel de transformation parenté. Si nous pouvons tirer parti de la force et de la résilience de nos ancêtres et croiser une parenté transformatrice, nous pouvons être futurisme indigène.
Il n'est pas rare d'avoir des clients non autochtones préoccupés par l'appropriation lors de l'achat d'art autochtone. En général, si un artiste autochtone crée avec des connaissances culturelles, il ne vendra pas d'articles de cérémonie à des personnes non autochtones. Nous vous recommandons d'acheter directement auprès d'artistes et d'entreprises autochtones. Nos amis de Huitième génération ont inventé une phrase que nous utilisons souvent: « Achetez auprès d'Inspired Natives, pas de marques d'inspiration native. »
Ces photos présentent des prototypes que j'ai conçus dans le cadre de mon voyage de réflexion. Les lunes turquoises étaient un projet collaboratif de ma conception et avec l'aide d'un mentor, leur amie Mary Jane Garcia a conçu la boucle d'oreille. Mary Jane est le clan Diné, Tl'og'i (Zia People) et Kinyaa'áanii (Towering House People). C'était un projet basé sur la guérison et la parenté. La photo avec le tambour communique ma relation avec mon défunt grand-père. J'ai hérité de son tambour, et les boucles d'oreilles que j'ai conçues [pour ma marque, Moonture] racontent l'histoire des aurores boréales. Mon grand-père nous a appris que les aurores boréales sont les esprits de personnes qui se sont suicidées. Dans les couleurs des aurores boréales, vous voyez un mouvement spirituel, et la couleur verte est la mousse qui a poussé sur elles. La création de cette conception était une façon d'exprimer mon parcours de santé mentale cette année et de me souvenir que nous avons besoin de vous ici.
La survie de l'art indigène a été comme un phénix, et je crois que l'avenir de la mode indigène continuera d'augmenter si nos cœurs brûlants collectifs restent fidèles. C'est incroyable de penser à tout ce que les peuples autochtones ont vécu au cours des derniers siècles: génocide, l'esclavage, le viol, la ségrégation, le racisme, la discrimination - mais nous n'avons pas seulement survécu - mais une grande partie de notre art est prospère. J'espère créer à partir de cet endroit prospère et rêve de concevoir une ligne de vêtements à l'intersection de la culture Tlingit et des matériaux durables. J'apprends lentement la conception et l'artisanat de l'héritage et des bijoux fins en utilisant des matériaux comme le jade d'Alaska et Walrus Ivory m'a été offert par la famille Apangalook et mon mari et moi apprenons sous le mentorat d'Anna Sheffield. Ces objectifs reviennent à mes espoirs de contribuer à la compassion et à la compréhension culturelles et à la communication empathique à travers l'art transformateur.