La complexité et l'éclat d'Alexander McQueen restent aussi incompréhensibles aujourd'hui qu'il y a quarante ans, lorsque le jeune créateur a réalisé sa première collection. Il était le prince noir de la mode, son travail initialement qualifié de cruel et offensant par la presse. Il ne s'est jamais soucié. En fait, il a prospéré sur la provocation et la contradiction. Il a fait des robes exquises et les a ensuite défigurées, comme un choix esthétique. Il rendait les femmes belles, mais aussi terrifiantes. Il a créé des vêtements qui devaient être ressentis autant que vus.
Dans Alexander McQueen: Invisible, un portfolio complet d'images rarement vues, nous regardons McQueen évoluer à travers l'objectif du photographe Robert Fairer, qui a suivi de près le designer depuis le tout début (51 $; amazon.com). Travaillant principalement pour Vogue, Fairer a capturé 30 des 36 spectacles légendaires de McQueen, documentant à la fois le podium et les coulisses chaotiques. « Les images de Robert capturent l'énergie brute et l'émotion puissante de ces moments qui ont conduit à l'incroyable film de Lee. spectacles », explique Sarah Burton, l'une des plus proches collaboratrices de McQueen et maintenant directrice de création de son étiqueter. "L'intensité et la concentration, le stress et l'excitation sont tous palpables." Jetez un œil aux photos de Fairer ci-dessous et délectez-vous de sept des collections les plus mémorables de McQueen.
Le nihilisme était une série de robes moulantes tachetées de boue, de manteaux méticuleusement taillés portés sans rien en dessous, et un pantalon «bumster» bas, un style de pantalon que McQueen recréerait tout au long de son carrière. Les mannequins ont ricané et ont agité leur majeur vers le public alors qu'ils se dirigeaient vers une bande-son punk implacable.
McQueen était obsédé par la nature, et cette collection est la première d'une série inspirée par la notion de prédateur et de proie. Les vêtements comprenaient une veste en peau de poney avec des cornes d'impala explosant des épaules, une soie veste à l'effigie du Christ, et une prépondérance de denim blanchi, de cuir déchiqueté et de fourrure pièces.
Rendant hommage à la martyre catholique Jeanne d'Arc, McQueen a habillé des mannequins en rouge sanglant, en noir fumant et en cotte de mailles accentuées par des perruques blondes presque chauves et des lentilles de contact rouges. La finale mettait en vedette le mannequin Erin O'Connor debout à l'intérieur d'un anneau de feu, son visage et son corps engloutis par une robe de perles rouges dégoulinantes.
Rassemblant son public autour d'un sinistre carrousel avec des chevaux aux yeux rouges, McQueen a créé un cirque cauchemardesque de goth flapper des filles vêtues de dentelle, de soie et de robes en cuir découpées au laser élégamment déconstruites, entrecoupées de vestes d'inspiration militaire et de costumes en soie. Un modèle portait une carcasse de renard doré autour de son cou comme une sorte de bijou grotesque. Juste au moment où le carnaval semblait se terminer, les acteurs ont réapparu des coulisses avec leurs visages peints de manière criarde comme de tristes clowns arlequins.
Mis en scène comme un jeu d'échecs grandeur nature entre l'Amérique et le Japon, McQueen a fusionné des éléments des deux cultures dans une collection d'ensembles d'écolières sur mesure, de confections du XVIIIe siècle richement brodées et même d'un ballon de football à froufrous réinventé uniforme. Les écharpes de kimono et les ceintures obi ont prévalu, tout comme les couleurs pastel et le crin de cheval. Chaque regard représentait une pièce d'échecs différente, et au fur et à mesure que le jeu se déroulait sur scène, les mannequins se déplaçaient sur l'échiquier jusqu'à ce qu'il ne reste plus que deux reines.
Sous les ailes d'un énorme oiseau cerné de tubes néon, La Dame Bleue rend hommage à l'élégance et à la l'excentricité d'Isabella Blow, la styliste légendaire qui a découvert McQueen alors qu'il était encore étudiant à Central St. Martins. La collection comprenait de somptueuses robes à plumes, des costumes solides avec des tailles ceinturées et des épaules structurées, et un variété de coiffes extrêmement ambitieuses par le créateur de chapeaux Philip Treacy, dont une qui ressemblait à un essaim de rouge papillons.
La collection finale de McQueen est peut-être sa plus opulente et narrative, imaginant une race humaine obligée d'évoluer sous l'eau en cas de catastrophe écologique. Le spectacle s'est ouvert avec des robes de cocktail vertes, oranges, brunes et dorées dans une suffusion de textures terreuses et des imprimés d'animaux terrestres, associés à de grosses bottes «tatous» qui semblaient pousser directement à partir du modèle jambe. Peu à peu, la palette de McQueen est devenue aquatique avec des robes de méduses bleues et violettes vaporeuses, des vestes lisses en galuchat et des talons hauts brillants apparemment fabriqués à partir de corail. Les mannequins portaient des prothèses faciales et des tresses qui ressemblaient à des branchies pour accentuer l'effet océanique.